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Suoni e colori dell’intangibile: musica e pensieri di Alex Henry Foster

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La sfida è di quelle impegnative: provare a colorare – con una tavolozza di suoni – l’intangibile e l’invisibile. Alex Henry Foster, musicista canadese, potrebbe parlare di sé come un “tessitore del suono”, un “pittore del rumore” o ancora un “designer di parole”, anche se appaiono, per la verità, dei concetti un po’ troppo elaborati rispetto al suo modo di concepire l’arte e la creatività. “Per me”, spiega, “la musica, la poesia e l’arte visiva, così come le interazioni umane, rimangono un flusso spontaneo di vita, che, una volta disposto a dimorare totalmente, mi guida nel profondo”.

Il suo universo sonoro è abbastanza eterogeneo, a partire da “Windows in the Sky”, il disco di esordio, per arrivare a “Standing Under Bright Lights”, un album live realizzato durante il Montreal International Jazz Festival. Un percorso che non prescinde per l’attenzione per le diversità, i diritti umani e i viaggi. La sfida è di quelle impegnative: provare a colorare – con una tavolozza di suoni – l’intangibile e l’invisibile.

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JUST A FEW QUESTIONS (IN ENGLISH)

Thanks for joining us, Alex. Please introduce your art

I have the incredible privilege to give the intangible and the invisible a palette of sonic colors, and to welcome others to redefine what I might have felt emotionally through the necessary let go that defines the measure with which we’ll commune as one afterward. Some may say I’m some sort of “sound texturist”, a “noise painter”, or a “word designer”, which, I believe, are a bit too elaborate compared to the way I see things creatively. For me music, poetry, and visual art, as much as human interactions, remain an intuitive stream of life, which, once willing to totally dwell into, guides me deep within. While abandoning my own self-consciousness, I am able to discover a rich type of language in which I can communicate and evolve. That’s what I’m into, both personally and artistically: the enfranchisement of self… so that I can be transformed with every sensation of which I welcoming the pure uplifting character…

That’s why “Standing Under Bright Lights” doesn’t have the same formatted and generic nature that most live albums seem to be plagued with. It’s not a public rendition of something that remains rooted in some emotional or creative things of the past. It was a total abandonment in a moment that was free from any egocentric ambitions. I wasn’t directing the whole orchestra, nor was I channeling any magic mantras. It’s the intuition that gave the project its cathartic essence, but it’s the abandonment to the liberating emotions that makes it so meaningful. it was a renaissance of sorts for me that night, some kind of intimate emotional withdrawal where I have been liberated from many doubts, insecurities, and fears to replace them with the peace that only comes with forgiveness. I came to terms with several old wounds and made atonement for numerous regrets I had carried with me for even too long to remember their origins… 

The concert was initially envisioned as a homage to my late father, but if it does offer him a dazzling goodbye, it’s the celebration of life that emerged of it that makes it an empowering purpose.

How does it feel releasing a live album in a period in which it is so difficult to play live? 

It’s a humble opportunity for me to commune something that I’m still discovering to this day. I don’t truly associate “Standing Under Brights Lights” as a live album. I know it’s a matter of rhetoric, but the decision for me to release the album was based on a single element… Could it be as much of an inspiring blessing to others as it’s been a life-changing experience for me? If yes, then it had to be shared, which I did… Maybe the pandemic context legitimizes such an album for some, as it makes perfect sense in a global perspective, but for me, it’s a far more personal and intimate living entity, that grows way beyond any of the terrible circumstances. I believe that it’s once communed with people that it becomes way greater than sounds and words. You can’t replace a live moment. It would be a ludicrous and pompous idea on my part would it have been the case. That’s why it’s important for me to say that it’s the uplifting spirit that comes with the rejuvenescent nature of the concert that led me to firmly believe that it had to be shared, and such spirit doesn’t dwell in our circumstances, but in our willingness to see without our eyes open, to feel without the shivers, to kneel without surrendering, to be transformed without the pain, to evolve without pretension. It’s all for us to determine the measure by which we want to bloom, grow or be reborn, may it be a reflection of our own self-drawing glide or a hopeful crash leading to exulting elevation, we’re all invited.   


Your music is also about mental health. Let’s consider, for example, the Alive project (also preventing suicide). Why do you think is important?

Because I’ve witnessed my parents greatly suffer from depression, saw friends lose their battles with despair, but also and especially because I had to admit my own measure of bleaknesses at some point in my life if I didn’t want to take it away. It’s implacably devastating for anyone trying to navigate in nowadays’ pressure for acceptance and acknowledgment. When you are the one standing outside looking in and longing to be in, you tend to believe whatever illusion is put on display by the person waiting on the other side of the mirror looking at you the very same way. The mirror needs to be cleaned up, broken even, so that everyone can see that no matter how hard we may try to photoshop our emotional needs, there’s nothing that can replace the warmth of honest arms awaiting you…  

What are your future plans? Are you touring this summer (or at least considering to play a few concerts)? 

I’m pretty involved in a new book I’m writing, which I’d like to release sometime this fall along with a few songs. I didn’t feel the need to rush and go back on the road, and since I’m already booked all over Europe in 2022, including a few dates in Italy that I can’t wait to visit for the very first time! I’ve learned to take my time, so the nature of my projects remains honest and keeps on evolving organically through the cheerful vision coming with the connections I’ll have with those I dearly missed over those last 24 months or so. No need to say that I’m incredibly thrilled at the sole idea of having the blessing to hug people again…! It’s been a long way back to you.

UNA CHIACCHIERATA CON ALEX HENRY FOSTER

Come definirebbe il suo percorso artistico?

Sento di avere l’incredibile privilegio di dare all’intangibile e all’invisibile una “tavolozza di colori sonori” e di ridefinire la sfera emozionale. Alcuni potrebbero dire che sono una sorta di “tessitore del suono”, un “pittore del rumore” o un “designer di parole”, concetti che, credo, sono un po’ troppo elaborati rispetto al modo in cui vedo le cose in ambito creativo. Per me la musica, la poesia e l’arte visiva, così come le interazioni umane, rimangono un flusso spontaneo di vita, che mi guida nel profondo. Rinunciando a un pezzo della mia autocoscienza, sono in grado di scoprire un linguaggio articolato in cui posso comunicare ed evolvere. Questo è ciò che mi piace, sia personalmente che artisticamente: la possibilità di uscire da me stesso al fine di trasformare ogni sensazione personale e costruirci qualcosa sopra.

Ecco perché “Standing Under Bright Lights” non si presenta con la stessa natura standardizzata che caratterizza gran parte degli album live. Non è un mettere in pubblico qualcosa che rimane radicato in alcuni aspetti emotivi del passato. È stato invece una sorta di abbandono totale in un momento libero da ogni velleità autoreferenziale. Non stavo dirigendo orchestre, né stavo canalizzando alcun mantra magico. È l’intuizione che ha dato al progetto la sua essenza catartica, così come è l’abbandono alle emozioni liberatrici che lo rende così significativo. Una sorta di rinascita per me quella notte, una sorta di intimo ritiro emotivo in cui sono stata liberata da molti dubbi, insicurezze e paure per sostituirli con la pace che arriva solo con il perdono. Sono venuto a patti con vecchie ferite e ho fatto un percorso di “redenzione” soprattutto nei confronti dei numerosi rimpianti che portavo da un tempo tanto lungo da perdere persino contezza delle origini.

Il concerto è stato inizialmente concepito come un omaggio a mio padre scomparso. Ma se da una parte, siamo riusciti a dargli un addio luminoso, dall’altra ne abbiamo fatto una celebrazione della vita aggiungendo valore e motivazioni.

In un momento di estrema difficoltà per organizzare concerti, a causa delle restrizioni, lei si trova a presentare un album dal vivo

Questo progetto si propone come una piccola grande opportunità per me comunicare qualcosa in tempo reale. Qualcosa che sto ancora scoprendo. Non considero veramente “Standing Under Brights Lights” un album dal vivo. So che è una questione di retorica, ma la decisione per me di pubblicare l’album si è basata su un singolo elemento… L’ispirazione che per qualcuno è stata una benedizione, in me può avere forza di cambiare la vita. Se così, era giusto condividerlo così come l’ho realizzato. Forse, per qualcuno, il contesto della pandemia legittima un album del genere, perché ha perfettamente senso in una prospettiva globale, Però per me si tratta di un’entità vivente molto più personale e intima, che cresce ben al di là delle circostanze. Parliamo di qualcosa che, una volta condiviso, diventa sempre più grande dei suoni e delle parole. Non puoi sostituire un momento dal vivo. Sarebbe un’idea ridicola e pomposa da parte mia se fosse così. Ecco perché è importante per me dire che è lo spirito edificante che deriva dalla natura spontanea di un concerto a portarmi a credere fermamente in questo mio lavoro. Tale spirito non risiede nelle nostre circostanze, ma nella nostra volontà vedere senza occhi aperti, sentire senza brividi, inginocchiarsi senza arrendersi, trasformarsi senza dolore, evolvere senza avere pretese. Sta a noi determinare la misura con cui vogliamo sbocciare, crescere o rinascere, possa essere un riflesso della nostra planata che si auto-disegna o uno schianto speranzoso che porta a esultare elevazione, siamo tutti invitati.

La tua musica parla anche di salute mentale. Mi riferisco in particolare al progetto Alive (anche di prevenzione suicidi). Perché pensa sia importante?

Perché ho visto i miei genitori soffrire molto di depressione, ho visto amici perdere le loro battaglie con la disperazione, ma anche e soprattutto perché ho dovuto ammettere la mia misura di desolazione ad un certo punto della mia vita. Sono arrivato persino a pensare di farla finita. È una forza devastante per chiunque cerchi di tenere la barra dritta nella pressione di oggi per l’accettazione e il riconoscimento. Quando sei quello che sta fuori e ti trovi a desiderare di essere dentro, tendi a credere a qualunque illusione sia messa in mostra dalla persona in attesa dall’altra parte dello specchio che ti guarda nel tuo stesso identico modo. Lo specchio ha bisogno di essere ripulito, anche rotto, in modo che tutti possano vedere che non importa quanto possiamo provare a photoshoppare i nostri bisogni emotivi, non c’è niente che possa sostituire il calore delle braccia oneste che ti aspettano…

Quali sono i tuoi piani futuri? Suona n tournée questa estate (o almeno sta pensando di fare qualche concerto)?

2022 ho già concerti in tutta Europa, comprese alcune date in Italia che non vedo l’ora di visitare per la prima volta! Ho imparato a prendermi il mio tempo, quindi la natura dei miei progetti rimane lineare e continua ad evolversi organicamente attraverso la visione che arriva con le connessioni che avrò con tutto quello che mi è mancato negli ultimi 24 mesi circa. Non c’è bisogno di dire che sono incredibilmente entusiasta della possibilità di avere la benedizione di riabbracciare le persone! It’s been a long way back to you.

Giornalista, docente di lingue straniere, tra le collaborazioni l’agenzia Ansa e il Centro (testata ex gruppo L’Espresso-Finegil Editoriale). In passato ha lavorato a Parigi e Milano con Eurosport e Canal +. Come blogger, oltre ad aver seguito vari eventi sportivi internazionali, dalle Universiadi (in Europa e in Asia) alla Race Across America – la folle corsa ciclistica da un capo all’altro degli Stati Uniti – ha condotto alcune inchieste sull’immigrazione con reportage in Italia, Romania e Marocco. Nel 2007 ha vinto il premio giornalistico Polidoro. Nel 2016 ha firmato “New York, Andalusia del Cemento – il viaggio di Federico García Lorca dalla terra del flamenco alle strade del jazz” (Aurora edizioni), l’anno successivo Lithium 48, sempre per la stessa casa editrice.

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Emis Killa: “Keta Music vol.3” è il disco più venduto della settimana. I dettagli

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Keta Music vol.3”, il nuovo mixtape di Emis Killa, fuori dal 23 luglio, debutta al primo posto nella classifica Fimi/Gfk degli album più venduti della settimana.

Il mixtape, terzo capitolo della saga cult che ha segnato alcune delle tappe principali della carriera del rapper, a cui hanno lavorato fianco a fianco di Emis Killa alcuni dei produttori più apprezzati della scena rap attuale, è composto da 11 tracce, con la partecipazione di esponenti della scena urban-rap come J LordLazzaRose VillainMadameGemitaizJake La FuriaMonteneroRollzRoisMeraNot Good e Massimo Pericolo.

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“Keta Music vol. 3” segue la strada tracciata dai due lavori precedenti, “Keta Music”, opera prima di Emis Killa, pubblicato nel 2009, e “Keta Music vol. 2”, uscito nel 2015. La saga, in cui l’artista mostra da sempre il suo lato più crudo, è stata fin dagli esordi uno dei segnali più forti del cambiamento nel mondo del rap e dell’hip hop nei primi anni ’10, contribuendo a segnare l’inizio di una nuova generazione di rapper. Grazie a questi progetti discografici, divenuti una fonte d’ispirazione a cui molti hanno attinto, Emis Killa ha reso il mixtape un prodotto mainstream, accessibile a tutti e apprezzabile dal grande pubblico.

La tracklist di “Keta Music vol. 3”:

  1. Qualche sasso, prod. 2P
  2. No police no problem feat. J Lord, prod. 2nd Roof
  3. Morto di fame feat. Lazza, prod. Dj Shocca
  4. Psyco feat. Rose Villain, prod. Andry the Hitmaker
  5. Notte gialla feat. Madame, prod. Lazza
  6. Jam Session feat. Gemitaiz, prod. Dj Shocca
  7. I soldi degli altri feat. Jake La Furia & Montenero, prod. MACE&Swan
  8. Street movie feat. Jake La Furia & RollzRois, prod. Big Joe
  9. Piede in strada feat. Mera, prod. MACE
  10. Giovani eroi feat. Not Good, prod. 2nd Roof
  11. Nel male e nel bene feat. Massimo Pericolo, prod. 2nd Roof

In occasione è stato pubblicato un documentario sulla realizzazione del mixtape, al quale hanno preso parte tutte le persone coinvolte nel progetto, dai featuring ai produttori che ci hanno lavorato. Scritto da Emis Killa e Marta Blumi Tripodi, nel video sono presenti lo stesso Emis Killa e immagini di archivio risalenti ai suoi primi anni di carriera.

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Corrado Rustici: “trascendere le tenebre socioculturali”. Pubblicato l’album “Interfulgent”

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È disponibile “Interfulgent”, il nuovo album del chitarrista e produttore musicale Corrado Rustici, disponibile in formato CD e in digitale.

Interfulgent,dal latino “interfulgĕo”, significa “che brilla in mezzo a” o “che brilla attraverso”. Questo nuovo progetto artistico nasce dal desiderio profondo di trascendere le tenebre socioculturali che circondano tutti, con l’aiuto di nuove idee, rappresentate metaforicamente, in copertina, da un oggetto luminoso, foriero di tempi migliori. 

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Musicalmente è uno sforzo compositivo fatto per ricollocare la chitarra elettrica in un contesto musicale più contemporaneo. I brani sono caratterizzati da suoni di chitarra unici, creati anche con l’aiuto di un pedale – ideato da Corrado e realizzato per la DV Mark – che dà allo strumento una voce incredibilmente espressiva ed originale e che Corrado definisce “chitarristicamente liberatoria”.

Le composizioni sono frutto di un ulteriore passo in avanti di Corrado Rustici verso l’uso di un linguaggio musicale epurato da influenze afro-americane, preferendo – invece – un vocabolario più Europeo (e a volte partenopeo) per esprimere i momenti “blues/nostalgici” dei brani. L’uso di sonorità elettroniche contemporanee, insieme a memi chitarristici fusion/progressivi/classici, contribuiscono a un paesaggio sonoro suggestivo, che Corrado definisce “Transmoderno”.

L’album si avvale della collaborazione di Alex Argento, che ha suonato le tastiere sulla maggior parte dei brani, tranne “The man from Yorkshire”, “Khetwadi Lane” e “G. on a sunny day”, eseguiti interamente da Corrado. I mix e la masterizzazione sono stati curati da Sabino Cannone. È online il video-poetry diAnna”, diretto da Giuseppe Marco Albanoe.

Originario di Napoli, Corrado Rustici si divide da sempre tra la carriera di musicista e quella di produttore. Destreggiandosi tra chitarra e studio di registrazione, Rustici è diventato uno dei produttori più apprezzati nel mondo, nonché l’uomo che ha saputo portare il sound e l’approccio americano nel mercato discografico italiano.

Ha lavorato con nomi del calibro di Herbie Hancock, Whitney Houston, Aretha Franklin, George Benson ed Elton John, ed è stato produttore per artisti come Zucchero, Francesco De Gregori, Ligabue, Elisa, Andrea Bocelli, Negramaro e Francesco Renga, contribuendo a più di 20 milioni di dischi venduti.

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Wrabel è pronto al debutto: fuori il singolo estratto con Duncan Laurence

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Pubblicato oggi, ‘back to back è il nuovo singolo di Wrabel. Una traccia di struggente realismo che vede l’artista collaborare con Duncan Laurence. Scritto con Kurtis McKenize (The Arcade), Léon e Jon Mills, back to back‘ racconta la fine di una relazione con un cantautorato serio ed altamente emotivo, guidato dalle voci corali di Wrabel e Duncan Laurence. Il singolo è l’ultima anticipazione tratta da ‘These words are all for you’, l’atteso album che segna il debutto solista di Wrabel in arrivo il 24 settembre su etichetta Big Gay Records/Nettwerk, un nuovo capitolo per il celebre autore, tra gli artisti emergenti più versatili e potenti della musica moderna. 

Riguardo al disco, Wrabel afferma: “Nelle relazioni, per me è strano come a volte le cose più piccole possano causare le più grandi spaccature. Ho sentito spesso dire “non andare mai a letto arrabbiato”. Che si tratti di rabbia o tristezza o qualcosa del passato che ribolle in superficie, è una sensazione terribile. Anche se condividi lo stesso letto, puoi sentirti a mille miglia di distanza. Ma la speranza è che tutto ciò che serve è una spintarella, una svolta, anche una sola parola per riconnettersi e colmare il divario.

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Questa canzone è stata scritta con persone così speciali – Léon e Kurtis McKenize (ex The Arcade) -. Registrare e pubblicare questo con Duncan è un sogno che diventa realtà. Sono un tale fan e ammiratore del suo lavoro; quanto cuore mette nella sua musica, l’emozione che riversa. È davvero un onore.”

“Sono così felice di aver avuto la possibilità di lavorare con Wrabel e di far parte del suo album. Da quando ho iniziato a scrivere le mie canzoni ho sempre ascoltato la sua musica. Il suo stile musicale è così onesto ed emotivo. Proprio come il nostro duetto “back to back”. Grazie Wrabel, non smettere mai di essere chi sei” afferma Duncan Laurence sulla collaborazione. 

Singer-songwriter tra i più acclamati degli ultimi tempi, i suoni brani colpiscono al cuore, complici gli arrangiamenti luccicosamente pop, una voce penetrante e testi potenti. Dopo aver composto singoli di fama mondiale per artisti noti in tutto il mondo – tra cui Pink, Backstreet Boys, Kesha, Celeste, solo per citarne alcuni – Wrabel è pronto al debutto solista con ‘these words are all for youil disco in arrivo il 24 settembre su etichetta Big Gay Records/Nettwerk. 

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