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Musica

Per Riconoscersi: fuori il sesto album della band genovese En Roco

Si tratta di un disco politico, nel senso più alto del termine, che dà spazio al concetto di cittadinanza come partecipazione e responsabilità

Antonella Valente

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Si intitola “Per riconoscersi” ed è il sesto album degli En Roco. Per la prima volta nella
storia della band genovese, si tratta di un disco politico, nel senso più alto del termine, che
dà spazio al concetto di cittadinanza come partecipazione e responsabilità.

La cittadinanza come parte rilevante della vita di ciascuno, all’interno del proprio Io, della
comunità e del mondo. In tempi di grande difficoltà nel mantenere vivi i valori democratici – dati in precedenza per acquisiti – si è resa necessaria una presa di posizione sui principi che possano
garantire l’armonia e la condivisione nella società. Tuttavia, all’interno dell’album, si possono percepire tutte quelle contraddizioni umane e sociali che impediscono il raggiungimento di quell’obiettivo politico.

Il suono – nonostante una storia lunga vent’anni – rimane fedele a se stesso ma con
un’apertura maggiore alle influenze dei componenti del gruppo. I gusti di ognuno si fanno
sentire ma, senza espliciti accostamenti ad un genere, riescono armoniosamente a
confluire nello stile En Roco. Registrato live in 3 momenti distinti dell’ultimo anno e mezzo, l’album guarda tanto al periodo 90/2000 quanto a certe venature funk della fine degli anni ‘70, facendo emergere una sfumatura psichedelica di tanto in tanto.
Si tratta di un disco che condensa molto bene diversi aspetti e che risente in maniera
molto naturale degli ultimi 20 anni di storia e di musica.

Ascolta l’album

Gli En Roco nascono a Genova nel 2000. Una delle caratteristiche che inquadra fin dagli esordi la band è un’attitudine personale tanto timida e intimista quanto diretta e decisa, dalla quale trae forza ispiratrice un indie-pop acustico di matrice d’autore. Nel 2001 il gruppo, con Francesco Davi alla batteria e Virgilio Aristei al violino registra un demo-CD e, successivamente, inizia a muovere i suoi primi passi pubblicando un EP di 6 brani uscito per la genovese Marsiglia Records di Matteo Casari. È grazie a questo EP che il gruppo inizia a farsi conoscere in ambito indipendente. Questo lavoro, accolto in maniera molto positiva dalla critica, pone i presupposti per lo svolgimento di una buona attività dal vivo.

Sempre alla fine del 2001 gli En Roco si spostano a Roma per due settimane e registrano 15 tracce destinate a divenire, nell’ottobre del 2003, il loro debutto discografico sulla lunga distanza. Uscito per l’etichetta trevigiana Fosbury Records e distribuito da Audioglobe, il lavoro viene intitolato “Prima di volare via”. In seguito ad un cambio di organico, si creano i presupposti per iniziare un lungo tour, che permette alla band l’incontro con tanti musicisti di cui condividono gli intenti.
Nell’autunno del 2005 la band esce dal Greenfog Studio dopo la registrazione di “Occhi chiusi”, album uscito nel dicembre dello stesso anno. L’album, distribuito da Venus, contiene 13 brani dotati di una lieve, ma comunque più evidente, attitudine rock rispetto a “Prima di volare via”. Al suo interno, oltre ad una maggiore complessità a livello compositivo, si è voluto imprimere un differente impianto sonoro. Dal dicembre 2005 la band è occupata nella promozione del disco.

Ne scaturirà un tour di una quarantina di date. Nel giugno 2006 girano il loro secondo video, La notte si avvicina, con la regia di Fabio Luongo. Tra il maggio ed il luglio 2006 sono nuovamente in tour. Nel 2007 concludono una collaborazione con Richard Coldburn, batterista dei Belle&Sebastian. La canzone che ne è derivata è presente nel terzo album, Spigoli, registrato sempre al Greenfog studio di Genova da Mattia Cominotto. L’approccio è decisamente più elettrico rispetto al passato. Cecilia lascia il gruppo e si decide di rimanere un quartetto.

Parteciperà comunque alla registrazione di alcuni brani del disco. Nel dicembre del 2008 il gruppo ritorna sotto Fosbury/Audioglobe. Nei due mesi successivi si concretizza la possibilità di una collaborazione con Ghost PR per quanto riguarda l’aspetto promozionale. In seguito, a circa un anno dall’uscita di Spigoli, nell’aprile del 2009, tornano in studio per buttare giù le nuove canzoni (giugno-luglio 2010).

Il nuovo album “Né uomini né ragazzi” è uscito a novembre 2011. Il suono e le atmosfere più morbide si accompagnano alla scelta forte di tirarsi un po’ indietro, di tornare dentro se stessi, di moderare i toni. Leggerezza la parola d’ordine. Nel 2016 pubblicano per Dischi Soviet Studio L’ultimo Sguardo, un album che segna la fine di un percorso secondo la logica compositiva che ha contraddistinto l’attività musicale passata. L’album è diviso in due sezioni (brani risalenti agli anni ’90 e altri di nuova composizione). Vengono coinvolti, tra gli altri, Amerigo Verardi, Lori Goldston (musicista e compositrice già al fianco di Nirvana, Earth, David Byrne, Parenthetical Girls, Dead Science, Black cat Orchestra), Gionata Mirai, Deian e Tristan Martinelli e altri.

Alla realizzazione grafica contribuiscono otto illustratori producendo ciascuno una copertina sul tema dell’ultimo sguardo. Oggi nel 2020 dopo vent’anni di attività gli En Roco si rinnovano nel sound, nell’attitudine musicale, nella omposizione e negli arrangiamenti, vissuti e interpretati in modo più corale. Le registrazioni live in studio di pochi brani per ogni sessione garantiscono concentrazione e varietà sonora pur in un contesto di generale coesione di pensiero e musica. È un disco intimo e politico nel senso più alto del termine, che vede contrapporsi il bisogno di identificarsi in una comunità di persone con cui condividere bellezza e valori, e l’estrema solitudine e mancanza di senso che contraddistinguono i nostri tempi. C’è rabbia e disillusione, ma si sta in piedi ugualmente con pervicacia.

Laureata in Giurisprudenza e Giornalista Pubblicista dal 2018, ama il teatro, il cinema, l'arte e la musica. Appassionata di recitazione, si diletta a salire su un palco di tanto in tanto. In altre sedi, anche Avvocato.

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Dua Lipa porta la musica nel futuro: 5 milioni di spettatori per Studio 2054, il concerto in streaming

Federico Falcone

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Dua Lipa ha intrattenuto il mondo la scorsa settimana con il suo spettacolo di live streaming online “Studio 2054“, battendo i record di live streaming online con oltre 5 milioni di spettatori. I fan si sono sintonizzati da oltre 176 paesi e si sono registrati 1,9 milioni di accessi unici dalla Cina, 95.000 dall’India e 287.050 biglietti sono stati venduti sulle piattaforme di ticketing.

Per la grande richiesta il live streaming di “Studio 2054” continuerà ad essere disponibile on demand fino a domenica 6 dicembre alle 23:59 su LIVENow con biglietti al prezzo di € 8,50 Euro (per questo motivo, essendo lo show ancora disponibile, il numero di 5 milioni di visualizzazioni non è ancora definitivo).

Marc Watson, Direttore di LIVENow: “Siamo molto orgogliosi di ciò che abbiamo ottenuto venerdì sera. Questa è stata una produzione molto complessa e ha dimostrato che il nostro business musicale può operare su scala globale. “Studio 2054” mostra che gli artisti possono creare eventi live unici, progettati per essere vissuti da casa, che deliziano i loro fan e attraggono importanti sponsor. Non è facile, ma abbiamo dimostrato che se ottieni il format creativo e il marketing giusto, c’è una domanda significativa e crescente da parte dei consumatori in tutto il mondo per eventi di musica dal vivo in streaming.”

Ben Mawson di TaP music ha commentato: “Sono incredibilmente orgoglioso di Dua e dell’enorme team dietro questa incredibile performance. Era davvero importante per Dua creare qualcosa che andasse oltre i limiti di un normale spettacolo dal vivo o streaming e lei ha più che raggiunto questo risultato con “Studio 2054”. Per quanto riguarda il pubblico, sarebbe stato difficile fare previsioni solide in quanto il live streaming è un mercato ancora nuovo ed in evoluzione, il che rende ancora più eccitante l’aver raggiunto cifre di visualizzazione sorprendentemente elevate. Abbiamo stimato oltre 5 milioni di spettatori, ma considerando una media di due persone in ogni casa, il numero reale potrebbe essere più vicino a 8 o 9 milioni. Mi aspetto che molte famiglie lo guardino insieme. È stata un’impresa enorme, ma sono così orgoglioso che ancora una volta Dua abbia dimostrato di essere una delle più grandi pop star del mondo “.

Il team musicale di LIVENow, guidato da Marc Watson, sta lavorando per offrire prossimamente “Song Machine Live” dei Gorillaz. “Song Machine Live” il 12 e 13 dicembre segnerà le loro prime esibizioni dal vivo dopo l’ultima del 2018. Tre spettacoli separati vedranno 2D, Russel Hobbs, Murdoc Niccals e Noodle insieme sul palco con le apparizioni di diversi collaboratori di Song Machine Season One: Strange Timez.

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Trentasette anni di thrash metal con “Show No Mercy” degli Slayer

Era nato il filone più feroce del thrash metal

Luigi Macera Mascitelli

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Se “Kill ‘Em All” dei Metallica è il fondatore del thrash metal, “Show No Mercy” degli Slayer è il cugino cattivo dal quale tua madre ti raccomanda di stare alla larga.

3 dicembre 1983 , Los Angeles, in quel lembo di terra conosciuto come Bay Area. Tra surfisti, spiagge incontaminate, sole e belle ragazze, qualcosa di oscuro, maligno e sulfureo iniziava sgorgare dai meandri più bui della Terra. Quell’aura che segnerà a fuoco con il suo infernale marchio la storia della musica aveva un nome, “Show No Mercy”: primo album degli Slayer, ad oggi la band che, assieme a “Kill ‘Em All” dei Metallica, ha dato vita al thrash metal.

I quattro kids vennero notati in un locale qualche mese prima dal fondatore dell’allora neonata Metal Blade Records, Brian Slagel. Questi rimase piacevolmente colpito dalla performance degli sbarbatelli Tom Araya, Kerry King, Jeff Hanneman e Dave Lombardo. In particolare, ciò che suscitò ammirazione fu la violenza e la velocità della musica che la band proponeva. Un heavy metal pesantemente influenzato dall’oscurità di Venom e Mercyful Fate e dall’energia martellante di Judas Priest e Iron Maiden.

Con un background di questa portata, i neonati Slayer non potevano non avere la loro occasione. Considerando soprattutto che qualche mese prima i colleghi Metallica pubblicarono il debutto “Kill ‘Em All”, molto simile nell’approccio ma meno oscuro, frenetico e tetro. Insomma, era nato il filone più feroce del thrash metal e con esso tutto quel percorso che porterà, anni dopo, all’avvento dei due generi più estremi della musica: il death e il black metal.

“Show No Mercy” venne completamente finanziato dal vocalist e bassista Tom Araya e dal chitarrista Kerry King. Al suo interno si trovano tracce tutt’ora considerate delle perle, come Black Magic, l’omonima Show No Mercy e la micidiale The Antichrist. Con una produzione ancora acerba ed un sound sulfureo, l’album introdusse i temi principali che gli Slayer da sempre trattano: satanismo, guerra (soprattutto il secondo conflitto mondiale), violenza e nazionalsocialismo. Del resto la stessa copertina non lasciava certo spazio ad interpretazioni.

Nonostante le numerose accuse di veicolare messaggi negativi e di fare propaganda satanista e nazista, la band ha sempre preso le distanze da simili illazioni. Anzi, in un’intervista nel 2002 il cantante Tom ha così dichiarato in merito:

“Non ce ne fregava niente di quanta gente ci fosse ai nostri show, non ci interessava quanti pensavano che facevamo schifo. Volevamo essere la faccia cattiva di tutto quello che ci circondava, volevamo essere quelli brutti e cattivi in contrapposizione a quelli che giravano con le belle macchine e le belle ragazze. Ecco perché abbiamo sempre giocato la parte di quelli incazzati che fanno musica oscura e satanista! “

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Ligabue, 30 anni di carriera in 77 tappe + 7 inediti

Fabio Iuliano

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“Se non puoi guardare avanti, guardi indietro. E per la prima volta mi sono soffermato sul passato. L’essere obbligato a stare chiuso in casa ha favorito la voglia di fare musica in studio, visto che non la potevo fare fuori”. E così Luciano Ligabue ha riaperto cassetti chiusi da tempo, ripreso in mano vecchi demo, embrioni di canzoni, spunti di melodie raccolti in 30 anni di carriera. Li ha smontati, riscritti, ripensati.

Il risultato è un album di sette inediti (tra cui il duetto – il primo vero duetto della sua carriera – con Elisa Volente o Nolente), dal titolo “7”, un numero ricorrente e da sempre speciale per Ligabue che torna anche nel cofanetto “77+7” che raccoglie i 77 singoli usciti in carriera, uno ogni 5 mesi, più i nuovi. Entrambi i lavori sono in uscita venerdì 4 dicembre per Warner Music Italy.

“Sono canzoni nuove – racconta all’Ansa – anche se il seme viene dal passato, ma forse per festeggiare è giusto anche così”. Perché il Liga di oggi è il Liga che è stato. E si sente in certe sonorità rinnovate che arrivano però da dischi e anni lontani. Ma non è sempre stato rose e fiori. E dato che i festeggiamenti si portano inevitabilmente anche tempo di bilanci, Luciano non si nasconde. “Sono grato per questi 30 anni intensi di musica e di successi, ma l’intensità si paga e a volte mi sono perso. Nel ’99, dopo “Buon Compleanno Elvis” e “Radiofreccia”, avevo meditato di smettere: non ero preparato a quella mole di successo e all’isolamento che questo portava con sé, né ero pronto a essere raccontato come non sono”.

A fermarlo dall’abbandonare tutto è stata la stessa voglia che lo aveva fatto arrivare fin là, quella di stare su un palco, indissolubilmente legata alle emozioni che tutto questo gli dava. “Mi sono detto: se smetti, come fai a non fare concerti? E a 20 anni da quel periodo critico sono ancora qui”. A scrivere canzoni “che diano conforto e siano utili”. Anche ora, in una guerra invisibile contro un nemico altrettanto invisibile. “Dobbiamo cercare di proteggerci, ma di non avere paura più di tanto. E sperare che presto ci possa essere la ricostruzione”.

Una situazione psicologicamente difficile che per contrasto “può portare a un sentimento di speranza. Ed è quello che io sempre cercato di fare con il mio lavoro. E penso ci sia anche in queste sette canzoni nuove. Sono nate in momenti diversi, ma in qualche modo fanno comunque i conti con quello che stiamo vivendo, come Volente e nolente. Del resto le canzoni non risolvono i problemi, ma portano calore e tengono compagnia”.

Ed è anche per questo, secondo Ligabue, che il futuro dei live non dovrebbe essere in streaming. “Ho cominciato questo mestiere per l’emozione che mi ha dato salire su un palco scalcinato a 27 anni, davanti a cento persone. Un’emozione che ho cercato di replicare più volte possibile – racconta -. Un concerto vuol dire avere qualcuno davanti che ti rimanda quella stessa emozione, con il suo corpo, con il suo ballare, con il suo stare a tempo. Non può essere ridotto tutto a un corrispettivo in grande di noi in sala prove. Non riesco a pensare a un concerto dentro ad uno schermo. Non sappiamo niente del futuro, ma spero per il bene della musica che i concerti non siano ridotti solo allo streaming perché manca l’elemento essenziale della presenza umana”.

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