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Interviste

Carmelo Demaio: “La danza è una forma d’arte trascurata”

Laura Aurizzi

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Prosegue il viaggio di The Walk of Fame alla scoperta degli artisti emergenti italiani attualmente più rilevanti. Stavolta ci siamo addentrati nel mondo della danza incontrando Carmelo Demaio.

Ballerino di 23 anni, romano d’adozione ma originario di Bagnara Calabra. Proprio qui inizia a studiare danza con il Maestro A. Gatto per poi entrare a far parte del Teatro Golden di Roma.

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Quando eri bambino, che cosa rispondevi a chi ti chiedeva: “Cosa farai da grande?”

Ho sempre risposto che da grande volevo realizzare il mio più grande sogno ovvero fare il ballerino.

A che età hai iniziato a ballare?

Ero piccolo, avevo 6 anni. Ho iniziato un po’ per gioco con dei miei cugini coetanei che hanno lasciato poco dopo ed io invece ho continuato. Quando i miei genitori hanno capito che amavo ballare mi iscrissero nella scuola migliore del mio territorio ovvero la scuola di danza Sintesi di Bagnara Calabra del M. Armando Gatto dove ho continuato a studiare fino al mio trasferimento a Roma avvenuto grazie ad una borsa di studio concessami dal M. Giovanni Rosaci che mi ha permesso di studiare nel Corso Professionale di Alta Formazione per Danzatori al Teatro Golden di Roma.

Hai dovuto rinunciare o stai ancora rinunciando a qualcosa per raggiungere il tuo sogno?

Per raggiungere il mio sogno ho dovuto e devo tutt’ora rinunciare a diverse cose come vivere vicino alla mia famiglia e alle persone a cui voglio bene che vivono in Calabria.

Da sempre la danza esprime le emozioni più intime e più forti, e in quest’anno così anomalo abbiamo conosciuto sensazioni che forse prima erano solamente una “teoria”; com’è stato trovarsi a “mettere in scena” queste emozioni così particolari? E soprattutto, qual è stato il processo che ti ha permesso di lavorare su queste emozioni e sulla tecnica nonostante la chiusura di palestre, studi di danza, e palcoscenici?

È un periodo molto difficile per chi come me ha la necessità di allenarsi quotidianamente. Ciò è stato molto frustrante ma con un po’ di inventiva e voglia mi sono adeguato e ho continuato ad allenarmi a casa. Di sicuro non è il massimo ma ho cercato comunque restare attivo in previsione di tempi migliori. Nonostante lo sconforto e lo smarrimento dovuti al primo periodo di lockdown, sono molto fiducioso sul fatto che presto si potrà nuovamente tornare in scena e in sala di danza con molto più entusiasmo e voglia di fare.

Pensi che la danza possa avere in qualche modo un ruolo nella ripresa di tutti noi da questo periodo fatto di restrizioni e cambiamenti?

La danza è arte e, tra le tante caratterizzata da un dinamismo che in questo periodo è per ovvie ragioni contrastato e limitato. Dunque ben venga ogni fonte d’ispirazione e di ogni possibile emozione.

La danza è un settore che interessa moltissime persone ma di cui si parla sempre poco o con superficialità; quali consigli ti senti di dare a coloro che decidono di intraprendere questa carriera in periodi di crisi come questo?

Troppo spesso la danza è una forma d’arte sottovaluta da chi non la conosce, anche dal punto di vista professionale. A tutti coloro che vogliono intraprendere questo percorso consiglio di non mollare mai, di avere forza e soprattutto pazienza.

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Credi che l’Italia si trovi ancora in una posizione discutibile rispetto al mondo della danza, che debba fare passi avanti nel riconoscimento di questo settore?

Credo che negli ultimi anni la situazione sulla cultura della danza sia migliorata in Italia. All’estero sicuramente è molto più sentita come forma d’arte, ma mi auguro che col tempo possa essere valorizzata anche dalle autorità competenti del nostro Paese.

Quali immagini pensi possano essere il futuro della danza? Verrà stravolta dall’inevitabile ascesa dello smart working (es. lezioni e spettacoli online) oppure riuscirà pian piano a riconquistare quella sfera prettamente fisica che la caratterizza?

La danza è l’arte del movimento, dell’emozione espressa in quel singolo istante in cui un danzatore è sul palcoscenico. Penso e spero vivamente che essa riacquisti quella sfera prettamente fisica e diretta che la caratterizza. Non penso però che lo smart working, che in questo momento sta aiutando tutti noi a continuare a danzare potrà mai sostituire una lezione o uno spettacolo dal vivo.

Il sogno più grande?

Spero un giorno di ballare in teatri importanti e riuscire ad avere un centro di danza tutto mio.

Intervista a cura di Marina Colaiuda

Foto di Laura Aurizzi

Fotografa romana, si occupa prevalentemente di ritratto, moda, eventi e stage photography, ma sempre con la macchina fotografica a portata di mano per cogliere l’attimo. Dottoressa in lingue e letterature moderne. Appassionata di arti visive e musica. Alla continua ricerca di se stessa. In altre sedi, speaker radiofonica e redattrice web. Insomma, stare con le mani in mano non è il suo hobby.

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The Bastard Sons of Dionisio: con “Tali e Squali” siamo liberi di suonare ciò che vogliamo

Federico Falcone

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Tali e Squali” segna il ritorno dei The Bastard Sons of Dionisio. Il singolo, pubblicato lo scorso 20 aprile, esce a quattro anni di distanza dall’ultimo disco “Cambogia” e anticipa il prossimo album di inediti, quello che sarà l’ottavo di una discografia che ha consolidato la band come una certezza all’interno del panorama artistico tricolore. Potremmo citare i numerosi concerti in apertura a nomi prestigiosi della musica internazionale, come Robert Plant, Green Day o Ben Harper, ma risulterebbe essere un elenco (parziale) del notevole percorso che il trio ha intrapreso fin dall’arrivo in seconda posizione all’edizione 2009 di X Factor. Direbbe molto, ma non direbbe tutto, ecco.

Un percorso artistico, quello del trio trentino composto da Michele Vicentini (voce e chitarra), Federico Sassudelli (voce e batteria) e Jacopo Broseghini (voce e basso), costellato da un’infinità di concerti in tutta Italia, frutto di una propensione e di un’urgenza di esprimersi dal vivo che caratterizza la band fin dalla loro formazione. Un’esigenza che la band incanala anche nel nuovo brano, presentato così: “I giovanotti della Valsugana non possono stare fermi, tali a squali ne morirebbero. E, capirete bene, al momento è un bel problema. In vista del loro prossimo disco, che attende solo di poter essere suonato, là fuori, spediscono una cartolina dal bunker, che è questa “Tali e Squali”. Dove si parla di cannibalismo sentimentale al tempo di una primavera imminente e di avvistamenti umani, al largo delle spiaggia“, scrivono

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Tali e Squali è un pezzo frutto del lavoro di tre anni e migliaia di tentativi . Le più diverse emozioni e alcuni retroscena, infatti, hanno portato alla scrittura di questo brano. Ci siamo ritrovati in studio con Marco Dallago, il tecnico più figo qui in Trentino, con cui abbiamo lavorato a una produzione più specifica e mirata per ciò che riguardava il suono che desideravamo. Questo aspetto ci ha consentiti di fare un notevole salto di qualità”. A darci maggiori informazioni circa il nuovo singolo è Jacopo Broseghini, voce e basso dei The Bastard Son of Dionisio.

Con una pandemia in itinere, tale da costringere gli artisti a restare lontani dai palcoscenici e dal portare in giro per l’Italia la propria musica, è facile immaginare come la band abbia avuto più tempo a disposizione da dedicare al songwriting, elaborando e rielaborando più volte le idee messe su carta. “Prima avevamo meno tempo, eravamo sempre fretta, non avevamo mai smesso di suonare dal 2003, con un minimo 20 concerti all’anno dopo l’uscita del disco. La musica corre, c’è sempre bisogno della novità per capitalizzare il lavoro fatto. Altrimenti sarebbe un investimento a perdere”.

Come spiega Jacopo, il testo del brano è stato completato alcuni mesi prima di chiudere le registrazioni. “C’era sempre qualcosa che non tornava. Come band siamo soliti utilizzare poche parole nei brani. Concentriamo il tutto in frasi che abbiano più significati, disponibili, quindi, a essere interpretate in più chiavi di lettura. La mia teoria è che ognuno può capire ciò che preferisce. Le chiavi interpretative sono differenti e quando cerchi di comunicare qualcosa devi trovare la via di mezzo giusta per non essere chiuso in te stesso”.

Ma chi sono gli squali citati nel testo? “Siamo noi stessi, non c’è un’accezione negativa, feroce o aggressiva. Siamo noi, perché nella biologia dello squalo c’è l’elemento determinante del fatto che deve costantemente muoversi perché non può respirare stando fermo. Il poter vivere la collettività e la sua socialità è un bisogno primario. Come musicisti abbiamo scelto di fare musica e non lasciare solo al disco fisico la promozione della stessa. Vogliamo vivere con energia anche l’incontro con la gente, è una necessità che avvertiamo. Abbiamo tante cose che possono supplire alla vita reale, come la realtà virtuale, ma abbiamo un disperato bisogno di calcare i palchi e tornare in tour”.

Già, i tour, ma quando? “Bisogna capire la situazione, le richieste arrivano, ma intanto dobbiamo recuperare le date dall’anno scorso. Di solito erano cose che si programmavano con tre o quattro mesi d’anticipo, mentre ora è tutto molto estemporaneo e lasciato a tempistiche molto più ridotte. Posso solo dirti che non vediamo l’ora di suonare dal vivo”.

Al centro delle polemiche, tra il mondo della musica e dell’arte più in generale e il governo italiano, ci sono le scarse attenzioni lamentate da tutto il settore. Dalle manifestazioni dei Bauli in piazza, alle occupazioni dei luoghi di cultura, le riaperture ci sono state, seppure parziali per motivi di contingentamento controllato. “Purtroppo o per fortuna in qualche maniera è stato riconosciuto il settore durante la pandemia. Con l’avvento di internet già sono venti anni che la musica è in crisi, però. Fino a quel momento i dischi si vendevano ma la musica su internet ha inflazionato il valore della singola canzone, portando una crisi del settore che si è appoggiato sulla necessità del live. Mancando quello non c’era più niente da fare. Adesso che il settore è stato riconosciuto ed è stato istituzionalizzato è già un grosso passo vanti. Bisogna vedere chi resiste. Il mondo della musica è sempre lasciato solo a se stesso. Ma noi, come band, siamo liberi di fare quello che vogliamo, ed è esattamente questo il nostro obiettivo: fare musica per un motivo e non per riempitivo”, conclude Jacopo.

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Interviste

AliC’è: il mio indie è differente. L’intervista

Domenico Paris

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Da pochi giorni on air con il nuovo singolo Fotografia, il duo pugliese AliC’è (Nicola Radogna e Rosita Cannito) conferma la bontà e l’originalità della sua proposta, dopo gli ottimi riscontri ottenuti con il debutto di febbraio Radio Rivoluzione. Ne abbiamo parlato un po’ con loro, facendoli sbottonare un po’ sul presente, sul passato e sul futuro di una band che sembra avere tutte le carte in regola per ritagliarsi uno spazio importante nel panorama indie italiano.

Il vostro progetto AliC’è è nato alla fine del 2019. Praticamente non avete fatto a tempo a cominciare il vostro percorso insieme che la pandemia vi ha messo subito i bastoni tra le ruote. Come siete riusciti a collaborare in questi mesi?

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Il periodo che abbiamo vissuto e che purtroppo viviamo ancora resterà nella storia dell’umanità per tutto quello che ci ha sottratto. Il nostro lavoro è stato fatto a distanza con i chilometri che ci hanno separati per 3 mesi. Non è stato facile, ma sicuramente non è stato impossibile da portare avanti. Ciascuno abbozzava idee, testi, melodie e le rimbalzava all’altro che le completava, le cambiava. Insomma ci siamo adattati allo smart working!

Cosa vi ha portato a unire le vostre forze in questa nuova avventura e continuate ad avere attive anche altre esperienze?

Il progetto è nato dal nostro incontro nel privato, prima che nella musica: siamo una coppia anche nella vita di tutti i giorni, infatti. Entrambi reduci da esperienze musicali completamente diverse, abbiamo deciso di far convogliare i rispettivi, diversi bagagli a sette note in uno solo. Nasce così AliC’è. Un equilibrio raggiunto.

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Il vostro primo singolo Radio Rivoluzione, uscito lo scorso febbraio per LeIndieMusic, vi ha aperto la strada per cominciare un discorso che questo vostro nuovo Fotografia dove vuole portare?

Il nostro obiettivo principale è quello di portare l’ascoltatore nella nostra dimensione. Riuscire a far vedere a lui quello che vediamo noi, quello che viviamo noi, situazioni nelle quali può riconoscersi e trovare un rifugio. Perché, diciamocela tutta, la Musica è riparo dal monocolore che a volte la vita ci pone davanti. Vogliamo essere veri e raccontare.

Il video del nuovo singolo sembra essere particolarmente evocativo del concept dietro la canzone. Davvero è possibile liberarsi di tutte le inibizioni e paure e mettersi fiduciosi sulla strada della libertà? Potete raccontarci come è nata l’idea di scrivere il brano e, successivamente, di dargli una veste video così particolare?

Pensiamo che raggiungere la libertà sia possibile, dopo una fase di accettazione della propria persona. Non è certamente un percorso facile, c’è da prendere consapevolezza dei propri limiti, perdonarsi, fare i conti con le proprie paure e fragilità. Ma il risultato finale è sorprendente. Fotografia nasce proprio da una domanda che ci siamo posti guardando una fotografia: cosa può esserci dietro quel sorriso su una foto? Il video è proprio un percorso di vita, rappresentata da una ballerina, che incontra tutte le sensazioni che fanno parte di noi ogni giorno: coraggio, paura, fragilità. Le sperimenta e si rende conto che è meravigliosa anche così, perché proprio quelle sue paure, proprio quel suo coraggio, proprio quelle sue fragilità, suonano la musica sulla quale lei danzerà per tutto il tempo.

Già da primo ascolto si nota una cura non banale della produzione e dei suoni. Quant’è stato importante lavorare con Luca Giura (Molla) in questo senso e la direzione verso la quale vi ha indirizzati è esattamente quella che vi aspettavate?

Lavorare con Molla è disarmante! La cosa eccezionale è vedere come riesce ad entrare dentro di te e a capire di cosa hai realmente bisogno per far emergere i tuoi punti di forza. Siamo grati a lui per aver creduto in quello che volevamo dire e per aver trovato una veste adatta. Il suo lavoro è proprio quello che cercavamo. Riesce a dare un senso e il giusto significato ad ogni suono utilizzato, facendolo diventare magia. La sua presenza e la sua figura sono fondamentali per noi!

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A proposito di direzione musicale: la vostra proposta, pur sostanziandosi in un retroterra indie-pop, si spinge in modo abbastanza convinto verso lidi più elettronici, assorbendo anche certi umori vicini al trip hop di oltremanica, senza disdegnare incursioni in una autorialità più vicina alla tradizione italiana. Qual è la tavolozza di colori di AliC’è ed è un progetto che in futuro sarà aperto a nuove suggestioni?

AliC’è è un progetto che nasce dalla passione di entrambi per il cantautorato italiano che, però, nella nostra musica, strizza l’occhio a sonorità più attuali. Sonorità semplici ma allo stesso tempo molto ricercate. Se siamo aperti a nuove suggestioni? Non ci poniamo nessun vincolo, questo è poco ma sicuro. Come si può ben notare il nostro primo singolo è stato Radio Rivoluzione, un brano voce e chitarra. Un brano privo di basso e batteria, inusuale nel 2021. Nel secondo singolo ci sono chitarra elettriche, assoli, batteria, basso e vari synth e suoni. Vestiamo, con Molla, ogni singolo brano diversamente, non ci poniamo alcun problema.

Domanda difficile, data la situazione che stiamo vivendo, ma anche a suo modo stimolante: come immaginate un vostro concerto dal vivo non appena si potrà tornare su un palco (sempre che l’attività live sia contemplata nei vostri desideri)? Quale sarà il set e in quale contesto pensate di potervi trovare più a vostro agio?

Speriamo davvero si possa tornare prestissimo a fare concerti, perché sicuramente è una delle cose che più ci manca! Un nostro live lo immaginiamo con i nostri amici in prima fila, a sostenerci e a cantare le nostre canzoni. In live possiamo proporci sia in versione duo, chitarra e voce, sia in versione trio, con un nostro amico polistrumentista Francesco Calisi a supporto. Nell’ultimo periodo però, non ti nascondiamo, stiamo anche pensando di coinvolgere qualche altro amico musicista per presentarci con una vera e propria formazione. Dove pensiamo di poterci trovare a nostro agio? Ovunque ci sia data la possibilità di essere noi stessi e di farci ascoltare, anche chitarra e voce per strada!

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Yuliya Mayarchuk e La Lanterna Magica: “Le emozioni che raccontano un territorio”

Fabio Iuliano

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Yuliya Mayarchuk, 44 anni, è arrivata da poco nel capoluogo per girare da protagonista il videoclip “L’Aquila: un territorio di emozioni”. Una produzione dell’Istituto cinematografico dell’Aquila La Lanterna Magica. L’idea del cortometraggio è di Pierluigi Rossi e Manuela D’Innocenzo che, nella sceneggiatura, si sono affidati a professionisti come Fabrizio Pompei e Iaia Centofanti, con il supporto organizzativo di Rossana Alessandrini. Un lavoro non da poco, necessario a ottenere lasciapassare e permessi per girare in alcuni dei posti più caratteristici di una terra che il video intende documentare. Non solo L’Aquila.

In questi giorni si sta girando anche a Capestrano, nel castello Piccolomini, ma anche nell’Eremo di Sant’Onofrio a Sulmona. Al progetto, finanziato dalla Regione Abruzzo, collaborano vari professionisti operanti sul territorio coinvolti dalla Lanterna Magica.

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“Sono innamorata di questa regione”, sottolinea sorridendo, “e non solo perché vivendo a Napoli vado a sciare a Roccaraso. Trovo gli abruzzesi ospitali e cordiali. Nel corso della mia carriera ho girato tantissimi teatri, ma l’atmosfera che ho respirato qui all’Aquila – in tour con Nino Frassica – è stata qualcosa di indimenticabile, come il freddo di questi vicoli del centro”.

L’attrice ha partecipato numerose fiction Rai e Mediaset, tra cui La Squadra, Distretto di Polizia, Carabinieri, Don Matteo, il Maresciallo Rocca, Ris. Nata in Ucraina, è in Italia da 24 anni e ha iniziato in teatro. Nel corso degli anni, ha interpretato “Miseria e Nobiltà” di Aldo Giuffré, Il Bello di Papà con Vincenzo Salemme. Tra i lavori più interessanti la partecipazione nei film “In nome di Maria” di Franco Diaferia e “La vita è una cosa meravigliosa” di Carlo Vanzina, ma anche il film “Faccia di Picasso”, diretto da Massimo Ceccherini.

Le manca il teatro?
Ho iniziato a recitare in piccoli palcoscenici e poi la mia carriera è andata avanti, grazie a dei contatti che mi hanno permesso di lavorare in tv e al cinema. Ma sono sempre rimasta legata al fascino di recitare davanti a una platea.

A ridosso del 2000 è stata scelta da Tinto Brass come protagonista nel suo film Tra(sgre)dire. È stata un’esperienza che l’ha cambiata?
Sono passati oltre 20 anni e mi sento molto diversa da quella Yuliya. Senza dubbio però è stato un lavoro che mi ha permesso di confrontarmi con un pubblico internazionale.

Ultimamente lei è molto presente sui social, perché questa scelta?
Tante persone mi hanno fatto riflettere sul fatto che è importante declinare le mie passioni, il mio lavoro e la mia persona su Fb, Instagram o altre piattaforme. Mi sono convinta anche perché preferisco che i registi che devono valutarmi lo facciano vedendo quella che sono io adesso, mentre leggo, mentre faccio sport, anziché prendere informazioni da dei curriculum”.

Che ruolo ha nel videoclip?
Il mio è un viaggio emozionale secondo le indicazioni di Fabio Massa, il regista di “Mai per sempre”. Mi piace lavorare con lui.

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