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La Casa delle Antiche Scatole di Latta: a Gerano la “dolce” storia d’Italia

Riccardo Colella

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A pochi chilometri da Roma, tra i verdi boschi di castagni, la valle del Giovenzano e quella dell’Aniene, troviamo Gerano: un antico borgo che sorge alle propaggini del territorio dei Monti Ruffi.

Il Natale porta alla mente il ricordo di antichi mestieri, di botteghe storiche e di tradizioni ormai dimenticate o che vanno scomparendo. Se però esiste un luogo dove la memoria e la tradizione di una comunità sono tutt’ora ben radicate, quello è proprio Gerano.

Oltre ai consueti mercatini natalizi e alle dozzine di presepi in bella mostra nelle cantine del paese, aperte e addobbate per l’occasione, troviamo un’iniziativa unica nel suo genere. L’11 novembre 2000 nasce nel centro storico del paese “La Casa delle Scatole di Latta”: una mostra permanente, interamente dedicata alle scatole di latta di prodotti per lo più dolciari, quali cacao, biscotti e caramelle e che accompagna il visitatore attraverso la storia d’Italia.

La collezione è composta da più di mille pezzi litografati e di fabbricazione italiana che, da fine ’800 agli anni ’50 del secolo scorso, raccontano la trasformazione del Belpaese e ne valorizzano la cultura. Dall’Italia dei grandi illustratori al periodo monarchico, passando per quello fascista fino al boom economico, è possibile percorrere un dolce viaggio anche grazie all’’atmosfera che si respira all’interno del Museo e ai racconti della curatrice della mostra.

Ad aprirci le porte del museo più goloso d’Italia, è infatti Marina Durand De La Penne: ideatrice e curatrice del museo permanente nonché nipote di Luigi Durand De La Penne, pluridecorato Ammiraglio e politico italiano, che prestò servizio come palombaro della Regia Marina durante la Seconda Guerra Mondiale. Marina ha risposto con garbo e cortesia alle domande di The Walk of Fame.

Come e quando nasce l’idea di collezionare scatole di latta? E come sei arrivata alla decisione di dedicare addirittura un museo ad un aspetto così particolare e importante del nostro paese?

Ho iniziato la collezione più di quarant’anni fa, grazie ad un dono. La prima scatola, infatti, mi fu regalata e il Museo stesso è intitolato alla “Nonnina” che fu autrice di quell’omaggio. Nel periodo in cui vivevo a Milano, ho avuto modo di recuperarne diverse visto che molte provengono da aziende del Nord Italia. Parliamo di scatole che vanno da metà ‘800 fino agli anni ’50 e, in quel periodo, il grosso della produzione aveva sede nelle città più ricche del paese, quindi proprio al nord. Una volta trasferitami a Roma, poi, ho attinto da quelle che già possedevo e ho iniziato a condividere questa mia passione con gli altri. Ho preferito, però, avere un luogo a sé in cui esporle e quindi ho acquistato i locali, li ho ristrutturati e ho creato il museo che, tra le altre cose, quest’anno ha compiuto 20 anni!

Qual è il pezzo più pregiato della collezione? E come alimenti la collezione?

Ce ne sono diversi. Consideriamo che, generalmente, un pezzo può essere pregiato da un punto di vista collezionistico, in quanto di difficile reperibilità. Molto dipende anche dallo stato di conservazione in cui si trovano le scatole. Tra quelle che hanno un “buon valore” troviamo i grossi “lattoni” dei biscotti sfusi. Ce n’è uno, ad esempio, risalente agli anni ’30 e firmato da Marcello Dudovich, la mia preferita è quella che ho utilizzato anche per la carta intestata e che raffigura una bimba coi riccioli. Non dimentichiamo, però, che per un collezionista quella più importante è sempre quella che gli manca… Anche se sono oggetti poveri, le scatole possono essere un qualcosa che vediamo passare una volta nella vita, per poi riapparire dopo 30 anni. Ora non vado più per mercatini come all’inizio ma acquisto molto su internet e da altri collezionisti. In genere mi dedico comunque a mostre a tema come “Il cioccolato nella Grande Guerra” o “La storia d’Italia raccontata attraverso le aziende dolciarie”. Faccio ricerche sempre più mirate. La cosa bella è che spesso mi vengono donate: capita di scendere in paese e che venga fermata perché qualcuno vuole farmi dono di alcuni pezzi. Tutte le scatole hanno una loro storia.

Come si mantiene viva una tradizione come quella delle scatole di latta, in un’era digitale dove si tende ad avere sempre meno supporti fisici a disposizione? Non è una particolarità che va scomparendo quella delle scatole?

Non è del tutto vero, poiché la scatola nasce ed ha una sua funzione. In campo alimentare, ad esempio, preserva alimenti come biscotti, polveri, cacao dall’umido e, inizialmente, veniva proprio utilizzata per salvaguardare questi prodotti. Parliamo di un foglio di ferro che viene bagnato nello stagno, e che a sua volta, preserva dal cattivo odore e da tutto quello che potrebbe danneggiare gli alimenti. Al giorno d’oggi di biscotti se ne mangiano talmente tanti che non è più giustificato un investimento, da parte di un’azienda, in una scatola di latta per un biscotto quotidiano.

Sempre in ambito alimentare vengono utilizzate per i panettoni, i pandori o quei prodotti dove può esserci anche del rincaro. Poi invece ci sono quei prodotti che continuano forzatamente con la latta: i pelati, le alici, il tonno ecc. Proprio perché è un imballo leggero, solido, e soprattutto riciclabile, manterrà la sua funzione. Inoltre sono elementi decorativi e con la stampa litografica si possono creare gran belle scatole anche al giorno d’oggi.

È interessante anche rivivere la storia del nostro paese. Ci sono le scatole storiche, quelle degli anni ’30 raffiguranti pettinature, mode o abbigliamenti. È possibile notare come siano cambiati anche i messaggi che le aziende lanciavano. Durante la guerra, dove c’era la fame, i biscotti erano definiti “digestivi” o “super nutritivi”. Ad oggi diventano “dietetici”, “sani”, “senza zuccheri aggiunti”. È cambiata la comunicazione. Sulle scatole di fine ‘800 c’erano le immagini dei primi stabilimenti italiani, l’orgoglio di mostrare l’industrializzazione di un Paese che lavorava giorno e notte. Al giorno di oggi, invece, la comunicazione ci riporta a un prodotto genuino, realizzato con ingredienti naturali e in aperta campagna. Non nelle fabbriche: proprio a sottolineare la semplicità e la genuinità del prodotto.

Ci sono degli aiuti o dei finanziamenti che possono aiutarti a tenere in piedi questa attività?

Non moltissimi e la burocrazia è molto serrata. Il museo nasce dal mio lavoro, ho preso i locali, li ho restaurati e l’ho allestito. Due anni fa ero entrata tra i musei dell’Organizzazione Museale Regionale che è una cosa importante anche nella nostra zona. Ho avuto sicuramente aiuti dai Comuni; ma non è sempre facile.

La Casa delle Scatole di Latta rappresenta un nodo tra la tradizione e la memoria collettiva di una comunità. In che modo questi elementi sono utili, oggi, per rafforzare il senso di appartenenza?

Il senso di appartenenza è molto importante, così come il conservare e ritrovare la memoria. Ho delle scatole che magari son più nuove o meno importanti dal punto di vista collezionistico, ma che trasmettono comunque forti emozioni, soprattutto ai visitatori di una certa età. La scatola Mellin o il cofanetto Sperlari, ad esempio. La cosa bella è proprio questa: è un piccolo museo che può comunque emozionare. Ho organizzato questa mostra sulle “Scatole dei Desideri”, dove ogni visitatore mette i propri desideri, e quindi un pezzo di sé, all’interno delle scatole. Ma ancor più che la tradizione locale, il museo riprende quella italiana nel suo complesso. Anche se io ho origini francesi, ci tenevo a collezionare proprio quelle italiane: in Europa ce ne sono di meravigliosa, da quelle francesi a quelle inglesi, e quelle italiane sono troppo spesso considerate come le Cenerentole d’Europa.

Per visitare il museo:

IndirizzoVia del Palazzo, 8 – 00025, Gerano (RM)

E-mailscatolemarina@hotmail.com

Linkwww.casadellescatole.org

Giornalista pubblicista, cinefilo e lettore accanito con una timida passione per la scrittura, colleziona una gran quantità di strumenti diversi e li suona tutti male. Sognava di essere Bruce Springsteen ma si risveglia come Jack Black. Quando non risponde al telefono, lo trovate sul tatami.

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Speciale Magritte: “L’impero delle luci”, il quadro simbolo del surrealismo

Redazione

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L’impero delle luci” è senz’altro uno dei dipinti più straordinari realizzati da René Magritte, per la sensazione atmosferica che riesce a comunicare, ed è uno dei quadri che richiama di più gli ideali surrealisti. L’impero delle luci venne realizzato da Magritte nel 1954, usando la tecnica dei colori a olio; in realtà esistono diverse versioni di questo dipinto: la prima, del 1950, conservata nel Museum of Modern Art di New York; la seconda, del 1954, esposta al Musées Royaux des Beaux-Arts in Belgio; una terza opera realizzata nel 1967 e conservata in una collezione privata.

Quella del 1954 è oggi esposta presso la Collezione Peggy Guggenheim a Venezia. Esso è la rappresentazione apparente di una villetta, che sembra un po’ isolata nel verde, immersa in una profonda e totale oscurità.

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Dentro ogni quadro, infatti, c’è un mondo raccontato o una storia inattesa da raccontare. Se mi immergo nel suo panorama prende dimensione e forma, la mia visione fantastica: quella di un’Italia che lotta contro un invasore invisibile e malvagio. La villetta raffigurata, infatti, diviene, nella mia immaginazione, la mia casa, oggi confine forzato e invalicabile se non per comprovate ragioni di necessità. Un confine e un simbolo che unisce e divide nello stesso tempo. Un luogo di tensione in bilico fra difensiva e offensiva. Una barriera che ci isola e separa dall’altro che fino a ieri era rappresentato dallo straniero e dal diverso.

Oggi, invece, ci isola e separa da noi stessi e dal nostro modo di vivere la vita nelle strade e nella piazze. La socialità è stata di fatto sacrificata al monito necessario dell’isolamento. Chiusi in una casa dentro uno Stato che si chiude. A chi apparteniamo adesso?

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E poi, nel dipinto di Magritte, gli alberi e tanta oscurità: una oscurità che seppur sembra inghiottire ogni cosa, viene interrotta dalle luci artificiali provenienti dall’interno di alcune camere della casa. Quelle luci sono chiaramente la rappresentazione di una vita che si svolge comunque e nonostante tutto. Ma il buio viene contrastato anche dalla luce di un lampioncino che rischiara il giardino esterno e il laghetto antistante la casa. Quella luce, che può sembrare debole, è invece forte e coraggiosa perché è lì fuori a proteggere la casa.

Nella mia ricostruzione fantastica, a rappresentare quella luce sono i medici e gli infermieri, schierati in prima linea a fare da barriera umana contro il male invisibile e pronti a sacrificare se stessi per il valore primario della salute. “Eroi moderni senza poeti a raccontare il loro coraggio”, si è letto su uno striscione dinnanzi ad un ospedale di Firenze. Nello sfondo del dipinto, che si staglia dietro l’abitazione, però, non si trova la notte, ma un cielo pomeridiano, di un azzurro chiaro e morbido che voglio leggere come il segno della rinascita.

Notte e giorno condividono lo spazio della tela, in un’opera che vuole eliminare il tempo: come spesso succede, Magritte annulla infatti la linea temporale, rendendo possibile l’apparire simultaneo di cose che, nel reale, si possono vedere solo in successione. E dunque egli ci mostra il presente costellato di buio ma anche un futuro dal cielo azzurro, i cui confini si mescolano sino a scomparire.

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«Nell’Impero delle luci ho rappresentato due idee diverse, vale a dire un cielo notturno e un cielo come lo vediamo di giorno. Il paesaggio fa pensare alla notte e il cielo al giorno. Trovo che questa contemporaneità di giorno e notte abbia la forza di sorprendere e di incantare. Chiamo questa forza poesia». (René Magritte)

Queste settimane cruciali per il nostro paese hanno disegnato la tela di una nuova guerra, che ci ha resi soldati inconsapevoli e inesperti e ci ha chiamati a mettere in campo solo responsabilità. Una responsabilità che si deve concretizzare nel prendere doverosa e giusta distanza dagli altri e nel rispetto delle istituzioni e del loro valore sociale, ma che comunque non deve far dimenticare e impedire la vicinanza alle esigenze altrui.

Dobbiamo affrontare un dopo-guerra doloroso e difficile, giacché siamo arrivati alla guerra del Coronavirus stremati dalla politica delle lacrime e del sangue che, negli anni, ha operato tagli alla cieca: c’è in ballo l’economia della Nazione, il suo mondo del lavoro, il suo futuro immediato e quello meno vicino.

Nel 1946 gli Stati Uniti adottarono il Piano Marshall, un programma di sostegni materiali e finanziari che aiutò l’Italia a ricostruirsi sino al miracolo economico del finire degli anni 50. Oggi, dovremmo contare sull’Europa, la nostra virtuale assicurazione che ci potrebbe garantire le risorse, le alleanze, gli elementi di forza occorrenti per riprendere il cammino.

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L’unica certezza, per il momento, sulla quale possiamo fondare il nostro impero delle luci è quella degli eroi senza maschera, mantello e cavallo, armati solo di mascherina, camice e guanti: ogni giorno combattono battaglie silenziose per salvare quante più vite possibili. E oggi più che mai sono impegnati nella dura lotta contro il coronavirus.

Medici e infermieri in tutti gli ospedali d’Italia sono all’opera senza sosta per contrastare il Covid-19, il loro coraggio e la loro costanza sono l’ancora a cui si è aggrappata la popolazione, che a sua volta si è attivata per contraccambiare. Eroi che hanno commosso perfino star internazionali come Bono Vox che ha dedicato loro, dai social, il brano: “Let your love be know” (Fai conoscere il tuo amore).

Sing as an act of resistance
Sing though your heart is overthrown
When you sing there is no distance
So let your love be’ know, oh let your love be know.
Though your heart is overthrown
Let your love be know

Nelle nostre case siamo chiamati a riflettere.  

Chi è ora l’altro? Il nemico da abbattere?

Che dimensione hanno ora i disperati che scappano da guerre, sofferenze e malattie?

Cosa divengono, dinnanzi a tutto ciò, gli immigrati, il male nero?

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Io credo che viviamo costantemente per attraversare luoghi che pur essendo apparentemente l’‘altrui’ di qualcosa, di qualcuno, allo stesso tempo sono nostri, ci appartengono e non possono che appartenerci per interposta persona: difatti la linea di soglia delle frontiere è una linea scavata nella vita, nella coscienza e nell’anima di chi si è sempre trovato “in mezzo”, né da una parte né dall’altra, e che ha sempre pacificamente rivendicato il riconoscimento di una posizione e di un posto, nel tempo e nello spazio. Uno spazio che, come un impero di luci, è abitato e deve essere abitato dalla pietas di Mia Lecomte:

Pietà di noi, qua dentro, pietà/ con le finestre finte/ pietà, dell’abitarci assente/ del non poterci stare/ pietà, pietà, pietà/ in questa nostra altrui.

Guardando verso il basso, dunque, vedo le radici dei popoli, di ogni popolo, non solo le mie, che di diritto abitano la terra e si muovono, per errare da un posto all’altro.

Articolo di Daniela Pisca, vice direttore www.progetto-radici.it

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James Joyce e la neve che cade su tutti

A ottant’anni dalla morte di James Joyce, rileggiamo uno dei passi più belli e attuali della sua letteratura: il finale di ‘Gente di Dublino’

Alberto Mutignani

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C’è un trucco che viene insegnato ai giovani sceneggiatori in crisi creativa: quando non sapete che fare, – recita il trucco, – cambiate il meteo. Così, una pioggia improvvisa o l’arrivo del sole, possono mescolare le carte sul tavolo e sconvolgere gli eventi narrati, la vita dei personaggi e il senso stesso della storia.

A volte, accade che il meteo giochi un ruolo decisivo per la catarsi dell’opera, come un evento trascendentale che piomba sulle teste degli uomini. Vite senza ritorno, storie che rimangono sospese, senza punti d’inversione, a cui provvede un intervento dall’alto. Le rane della piaga biblica, che tornano nello splendido finale di ‘Magnolia’ (Paul Thomas Anderson, 2007), la pioggia dello ‘Schiavo d’Amore’ di Maugham, ma soprattutto la neve di James Joyce.

Nel racconto finale di ‘Gente di Dublino’, intitolato ‘I Morti’, Joyce fa scendere la neve su tutta l’Irlanda: “La neve cadeva su ogni punto dell’oscura pianura centrale, sulle colline senza alberi, cadeva lenta sulla palude di Allen e, più a ovest, sulle onde scure e tumultuose dello Shannon. Cadeva anche sopra ogni punto del solitario cimitero sulla collina, dove era sepolto Michael Furey. Si ammucchiava fitta sulle croci contorte e sulle lapidi, sulle punte del cancelletto, sui roveti spogli. La sua anima si dissolse lentamente nel sonno, mentre ascoltava la neve cadere lieve su tutto l’universo, come la discesa della loro ultima fine, su tutti i vivi e su tutti i morti”, scrive James Joyce.

Oggi la vita ci appare come la discesa di una neve infinita, che copre tutti, che non fa sconti, e lo scorrere ordinario che conoscevamo si è cristallizzato. Perché la neve di Joyce racconta le nostre debolezze, distrugge la possibilità di rifugio nelle certezze che abbiamo, che costruiscono i gradini sociali e le gerarchie del mondo.

Tutto viene coperto dalla patina della neve, della pioggia, delle rane. Di un cataclisma che arriva per caso, per sconvolgere gli eventi e raccontarci dell’uomo in una prospettiva inedita. Aspettiamo la fine di questa neve guardando alle stagioni che seguiranno come la rivelazione della luce, il discioglimento.

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Da Tombstone all’O.K. Corral, la leggenda di Wyatt Earp

Riccardo Colella

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Il 17 novembre del 1869, Nicholas Earp sceriffo di Lamar, una cittadina nella contea di Barton nello stato del Missouri, rassegna le dimissioni per diventare giudice di pace. A succedergli è un giovane scavezzacollo che, essendo uno dei tre figli, porta il suo stesso cognome. Si tratta di Wyatt Earp: colui che sarà ricordato come il più celebre sceriffo del selvaggio west, nonché abile giocatore d’azzardo, cacciatore di bisonti e futuro gestore di saloon negli stati di “frontiera”.

Negli anni seguenti si trasferirà prima nell’importante snodo ferroviario di Dodge City, costruendosi la fama di bravo uomo di legge e stringendo una sincera amicizia col celebre pistolero e giocatore d’azzardo Doc Holliday, e poi a Tombstone (AZ), venendo reclutato come agente operativo degli US Marshals. Proprio nella cittadina dell’Arizona, Wyatt si ricongiungerà con i suoi due fratelli Virgil e James, oltre che con l’amico Doc Holliday, finendo col vedere il suo nome per sempre associato al famigerato duello dell’O.K. Corral.

L’ANTEFATTO – In quegli anni, Tombstone era caratterizzata da un tumultuoso sviluppo dovuto sia alle numerose miniere d’argento sparse lungo il territorio, sia al continuo proliferare di case da gioco e bordelli, congiuntamente a una larga concessione governativa di licenze da vendita di liquori. La ridotta distanza dal confine messicano, inoltre, non contribuiva a migliorare la situazione.

La cittadina era territorio dei “Cowboys”, una banda di fuorilegge che, proprio in Tombstone vedeva la sede perfetta per i suoi traffici: dal commercio illegale del bestiame agli efferati omicidi.

Se però gli stessi Cowboys venivano considerati dagli Earp, che nel frattempo svolgevano il ruolo di polizia locale, alla stregua di volgari banditi e razziatori (non a caso il termine Cowboy veniva usato con tono dispregiativo, a indicare quei soggetti che scorrazzavano per le cittadine commettendo i più disparati crimini), diversa era la fama di cui gli stessi godevano proprio a Tombstone. Dagli abitanti della cittadina, infatti, la banda composta da Billy Claiborne, i fratelli McLaury, Ike e Billy Clanton (soprattutto quest’ultimo), venivano visti di buon occhio proprio in virtù delle loro attività che contribuivano ad arricchire le case da gioco e i saloon.

La popolarità dei fratelli Earp, di contro, era ai minimi storici a causa dei metodi con cui tentavano di ristabilire l’autorità, considerati da molti troppo spavaldi.

IL DUELLO ALL’O.K. CORRAL – I continui scontri anche a livello personale e politico tra le due fazioni (Wyatt Earp perse la corsa al posto di primo sceriffo nella Contea di Cochise in favore di Johnny Behan, spalleggiato proprio dal clan Cowboys), inasprirono il già precario clima che si respirava a Tombstone. La tensione tra i due schieramenti toccò l’apice tra il marzo e l’ottobre del 1881, con l’assalto alla diligenza che registrò la morte del conducente e di un passeggero.

Nel primo di pomeriggio del 26 ottobre, col pretesto di attuare l’ordinanza che imponeva a tutti gli abitanti di girare disarmati, Wyatt, Virgil e Morgan Earp assieme a Doc Holliday duellarono con i Cowboys di fronte all’O.K. Corral. Il duello fu selvaggio e in trenta secondi vennero sparati trenta colpi d’arma da fuoco. Lo scontro si concluse con la vittoria degli Earp e la morte dei fratelli McLaury oltre a quella di Clanton.

Virgil e Morgan Earp furono feriti mentre Ike Clanton e Claiborne riuscirono a dileguarsi dopo aver rubato due cavalli. Lo scontro verrà ricordato come il più celebre del Far West, e darà poi il via a una serie di rappresaglie che culmineranno con l’uccisione di Morgan Earp e la conseguente Vendetta degli Earp.

LA LEGGENDA – Come ultimo dei fratelli Earp, Wyatt morirà il 13 gennaio 1929, all’età di ottant’anni e per complicazioni legate al suo già precario stato di salute. Il corpo verrà rinvenuto dall’interno del suo bungalow a Colma, una cittadina della contea di San Mateo (CA), dallo sceriffo del luogo.

A testimonianza di un’epoca in cui la “frontiera” era terra di nessuno e la legge faticava ad imporsi sui banditi, se non attuando metodi altrettanto brutali, il fatto entrò prepotentemente nell’immaginario popolare tanto da ispirare numerosi film western, fumetti e canzoni.

Agli albori della sua carriera, il regista John Ford conobbe personalmente Wyatt Earp, venendo a conoscenza del fatto dalle stesse parole dell’ex sceriffo. Ai racconti dello stesso Wyatt, Ford si ispirò per uno dei suoi maggiori successi: Sfida Infernale – My Darling Clementine, facendo da apripista per le future generazioni di cineasti quali Martin Scorsese, Akira Kurosawa, Sergio Leone, Wim Wenders e Francois Truffaut. Tra le decine di film dedicate al famigerato episodio, trovano poi il podio l’adattamento di John Sturges, che nel 1957 dirige Burt Lancaster in Sfida all’O.K. Corral e il Wyatt Earp di Kevin Costner del 1994, dove l’attore americano interpreta il protagonista affiancato da Dennis Quaid nei panni di Doc Holliday.

Quello che, però, sembra essere universalmente riconosciuto come il miglior adattamento cinematografico del fatto, è il Tombstone del 1993 interpretato da Kurt Russell, Val Kilmer e il compianto Billy Paxton. Curioso è il fatto che, proprio la pellicola di George Cosmatos, sia uscita sei mesi prima del film “rivale” di Kevin Costner e che, sempre allo stesso Costner fosse stata offerta, previo rifiuto da parte dell’attore, la parte di Wyatt Earp.

Anche il mondo dei fumetti pare affascinato dalla leggendaria figura del celebre sceriffo. Se per l’attuale Sergio Bonelli Editore troviamo un intero numero della collana I protagonisti dedicata nel 1975 a Wyatt Earp, lo stesso personaggio appare nella saga di Paperon de’ Paperoni, in diverse storie ambientate nella corsa all’oro del Klondike. Immancabile, poi, il richiamo in Lucky Luke di Morris, in cui il protagonista incontra tutti i fratelli Earp.   

Menzione d’onore per l’immortale Johnny Cash, ultimo cowboy armato di chitarra della sua generazione. Nell’album Sings the Ballads of the True West del 1965, infatti, troviamo The Ballad of Boot Hill, ispirata ai fatti di Tombstone.

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