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Auguri Clint Eastwood, 90 anni da immortale

Il nativo di San Francisco è una tra le colonne portanti del cinema internazionale e della settima arte più in generale, uno dei nomi più autorevoli del settore e personaggio di spicco anche al di fuori del set

Federico Falcone

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Rispondete a questa domanda: quando leggete il suo nome, quando guardate i suoi occhi di ghiaccio, quando scrutate il suo ghigno, a cosa pensate? Qual è il primo pensiero che vi balza alla mente in presenza di sua maestà Clint Eastwood? Il nativo di San Francisco è una tra le colonne portanti del cinema internazionale e della settima arte più in generale, uno dei nomi più autorevoli del settore e personaggio di spicco anche al di fuori del set. Controverso, direte voi. E’ vero, rispondiamo noi. Lo è. Ma se non lo fosse, beh, non sarebbe Clint Eastwood. E compie 90 anni. Una leggenda che non vuole saperne di mollare un centimetro della sua vita, della sua carriera e del suo tempo al cospetto di madre natura e del dio Kronos.

Attore, regista, produttore. Più di quaranta pellicole girate, le prime delle quali, quelle che lo hanno lanciato verso il successo, recitate nella polvere del Far West. Camperos con speroni d’acciaio, cinturone, cappello calato sopra la fronte a lasciare intravedere uno degli sguardi più riconoscibili della storia del grande schermo, lungo sigaro in bocca e battute limitate allo stretto indispensabile. Presenza scenica da bucare lo schermo, non solo per il suo metro e novantatré centimetri di altezza, ma anche grazie a un carisma impagabile e a un fascino straordinario.

Un talento cristallino messo in luce dal sodalizio con Sergio Leone nella “trilogia del dollaro”. “Per un pugno di dollari“, “Per qualche dollaro in più” e “Il buono, il brutto e il cattivo“, fanno di Eastwood un attore di fama internazionale, presto consolidata e spesso ricercata. Un binomio che continua ad affascinare anche ora, a distanza di quasi sessanta anni, e che continua a influenzare attori e registi emergenti. Il ruolo ci cowboy continuerà a interpretarlo per diversi anni, ma nel 1971 la consacrazione arriva con “Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo“, primo capitolo della saga poliziesca che produrrà altri quattro capitoli (1973, 1976, 1983, 1988).

Sempre negli anni Settanta avviene il passaggio dietro la macchina da presa. Firma le sue prime pellicole, “Brivido nella notte“, “Lo straniero senza nome“, “Assassinio sull’Eiger“, “Il texano dagli occhi di ghiaccio“, “Firefox, Volpe di ghiaccio“. Produzioni, queste, che valgono l’interesse degli addetti ai lavori che controbilanciano così le scarse attenzione verso l’Eastwood attore, talentuoso certamente, ma mai realmente convincente. Giudizi che fanno storcere il naso e che lasciano quantomeno perplessi, pur se rapportati agli standard e alle critiche dell’epoca.

Clint riesce a mantenere senza grosse difficoltà la doppia vita di attore e regista. E sempre con discreto successo, come negli anni Ottanta. Nei ’90, invece, spicca il volo una volta per tutte. Nel 1992 gira “Fuga da Alcatraz” e nel 1993 “Gli Spietati“, e proprio come regista vince l’Oscar come “Miglior Regista” e “Miglior Film” per “Gli Spietati”, pellicola con cui riceve anche la nomination a “Miglior Attore Protagonista”. Negli anni Duemila fa incetta di capolavori. “Million Dollar Baby” sbanca agli Oscar del 2005 con ben quattro statuette su sette nomination: “Miglior Film”, “Miglior Regia”, “Miglior Attrice Protagonista” e “Miglior Attore non protagonista”.

Poi c’è la visione della guerra (le cui mai celate simpatie repubblicane gli hanno spesso creato non pochi problemi). La battaglia di Iwo Jima vista da due prospettive, quella giapponese e quella americana, in “Letters from Iwo Jima” e “Flag of our Fathers“, sono tra i più grandi successi della decade, esattamente come “Gran Torino” con cui vinse il David di Donatello per il “Miglior Film straniero”. “Sully“, “American Sniper“,”Invicuts” e gli ultimi “Il Corriere – The Mule” e “Richard Jewell” completano una carriera straordinaria, impossibile da raccontare solo a parole.

Non sarebbero sufficienti fiumi di inchiostro per testimoniare e sottoscrivere l’importanza che Clint Eastwood ha avuto, ed ha, all’interno del mondo del cinema. E che continuerà ad avere, perché è andato oltre, troppo oltre il ruolo nello star system. E meno male, altrimenti non sarebbe Clint Eastwood.

Fondatore e direttore responsabile del magazine The Walk Of Fame. Nato e cresciuto in Abruzzo, è diventato giornalista pubblicista dopo aver completato gli studi in Giurisprudenza. Appassionato di musica, cinema e teatro, avrebbe sempre voluto essere il Will Smith di Indipendence Day o, tutt'al più, Aragorn de "Il Signore degli Anelli". Vola basso.

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Se Stranger Things strizza l’occhio a Stephen King

Antonella Valente

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Dopo esattamente un anno dalla conclusione della terza stagione, ho ripreso in mano Stranger Things per rilanciarmi in un’appassionante maratona. Ho sempre ritenuto ingiuste le critiche di chi ha affermato che non tenga il passo delle precedenti e che, inoltre, sia anche sottotono rispetto a esse. Negli otto episodi che la compongono l’evoluzione della storia, dei personaggi e delle vicende che ruotano loro attorno è concreta e straordinariamente rappresentata, esattamente come accaduto nella seconda rispetto alla prima. E’ un’inevitabile e bellissima conseguenza chiamata, appunto, evoluzione. Ed è qui che il “piatto” e “scontato” citato da qualcuno fa acqua ed è fuori contesto, per usare un’espressione pulita. Cosa si aspettavano, un copia incolla infinito e una minestra riscaldata in eterno?

E’ una sceneggiatura perfetta, quella di Stranger Things, che in più passaggi ricorda da vicino alcune opere di Stephen King: i bambini e la loro lotta contro il male, il profondo senso di amicizia, il legame di amore-odio con la propria realtà di provincia, il sentimento cristallino e puro ostacolato da vicissitudini che, però, non potranno mai realmente scalfirlo e che verrà ricordato per tutta la vita. E poi, ancora, il passaggio all’età adolescenziale, la difficoltà nel lasciarsi alle spalle quella “infantile” nella quale ci si costruisce un mondo, si crede nei sogni e si spera nel fatto che questi possano avverarsi. Il dramma interiore di vedersi crescere, di capire di stare diventando adulti e maturi e che, quindi, nulla sarà più come prima. La consapevolezza che un capitolo della propria vita, quello più genuino, più dolce, più bello, più innocente è ormai alle spalle. 

E, per andare ancora più sul popolare, non si può non apprezzare la caratterizzazione dei personaggi, più vicini a un Los(V)ers Club di qualsiasi altro tentativo mai portato sul grande schermo. Il ricordo di un’estate di “Stand By Me“, i demoni interiori di It, le memorie del luna park di Joyland. C’è molto, in effetti, di King in questa meravigliosa serie che non ti stancheresti mai di guardare e che vorresti non finisse mai. In un connubio di citazioni, dai The Clash alla Storia Infinita, dalla Guerra dei Mondi a Guerre Stellari, da inquadrature alla Jurassic Park e da sottofondi musicali devoti al verbo dell’horror-fantasy anni ’80, la verità è che Stranger Things dei fratelli Duffer ha più personalità di quanto si voglia far credere o di quanto qualcuno voglia credere.

Resta da attendere solo la quarta stagione, forse l’ultima, forse la penultima. Ci sarà ancora un’evoluzione, ci deve essere. Perché al centro della trama della serie c’è la vita di un gruppo di bambini che, però, diventano adolescenti. E allora l’inevitabile passo sarà quello di scoprire quale strada avranno preso le loro vite. Con buona pace dei detrattori e di coloro che amano la minestre riscaldate.

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Risate e apoftegmi musicali all’ombra del Gran Sasso con Greg e Max Paiella

Federico Falcone

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Anvedi che strina“. Esternazione, questa, derivante da un mix linguistico tra il romanesco e l’aquilano, che meglio non potrebbe descrivere il clima autunnale presente ieri all’Aquila in occasione di Apoftegmi Musicali, spettacolo avente per protagonisti Greg (Claudio Gregori del duo Lillo&Greg) e Max Paiella, entrambi romani, appunto. Amici inseparabili, artisti spesso convergenti su progetti da condividere, tanto nel settore musicale quanto in quello teatrale o d’intrattenimento più in generale, hanno dato vita a uno show ricco di sketch e risate, fortemente influenzato da una corrente di contagiosa positività. Che, a scanso di equivoci, è quanto di più necessario occorra in tempi assurdi come quelli che stiamo vivendo.

Nonostante fosse la metà di luglio, la “strina“, cioè il vento freddo tipico delle zone interne dell’Abruzzo, per un serata ci ha fatto dimenticare di essere in estate. La centralissima piazza Duomo, affollata per l’occasione, era ugualmente bellissima, ancora ferita dal sisma del 2009, ma orgogliosa nel rivendicare la sua disponibilità a ospitare eventi e manifestazioni culturali, anche se a condizioni diverse dalla normalità. Sedie distanziate e mascherine tra i presenti, un colpo d’occhio a cui abituarsi non sarà facile ma che attualmente è inevitabile. Le normative vigenti lo impongono e pur di ripartire e dare voce al settore cultura e spettacoli è un compromesso più che accettabile.

Alle 21.30 spaccate il duo ha fatto la sua apparizione sul palco. “Apoftegmi musicali” è un vorticoso spettacolo in cui ai tradizionali stornelli romani si alternano quelli della tradizione romena, dove i dialoghi comici in cui Greg e Max, immersi nel buio della vita, ma illuminati da due faretti sottostanti, ironizzano sui rapporti interpersonali in modo surreale, assurdo e grottesco. Con battute a tratti ciniche, a tratti talmente sibilline da lasciare il pubblico interdetto. Sketch divertenti e in alcuni casi improvvisati grazie alle contingenze del momento, hanno reso l’atmosfera leggera ma dinamica.

Una serata, quella prevista all’interno del cartellone de “I Cantieri dell’Immaginario” che ci ha riconciliati con la normalità, seppure parziale per le misure che bene abbiamo imparato a conoscere, antecedente all’emergenza covid. Una risata può davvero salvarti la vita o, quanto meno, farti dimenticare le preoccupazioni del momento e le contraddizione di un periodo storico che sembra più un girone dantesco che una fase della nostra esistenza. Ripartire da qui, dallo spettacolo, dall’intrattenimento, dalla voglia di condivisione che alimenta le nostre passioni. E grazie a Greg, a Max e a chiunque altro salga sul palco per ricordarci quanto sia importante, nel sistema Italia, il settore cultura. Forse non considerato con le dovute attenzioni.

Sedie distanziate, mascherine tra il pubblico, autocertificazioni. Una piazza Duomo ancora ferita dal sisma del 2009. Una strina autunnale. Passa tutto in secondo piano di fronte agli sketch, ai paradossi e al nonsense di “Apoftegmi Musicali”, esilarante show di Claudio “Greg” Gregori e Max Paiella. Dio salvi lo spettacolo dal vivo, la musica e la risata facile. Gloria allo spirito, al grottesco e agli stornelli. Ai canti popolari, al country, al blues e alla genziana. Una serata di anormale normalità, finalmente!

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13 luglio 1973, i Queen pubblicano il primo album e danno il via alla leggenda

Federico Falcone

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A vedere l’enorme appeal che i Queen hanno ancora oggi sul mondo della musica internazionale, ma anche su quello dell’immaginario collettivo a trecentosessanta gradi, si fatica a credere che oggi, 13 luglio 2020, ricorra il quarantasettesimo anniversario dal loro debutto discografico. Quasi mezzo secolo. Un lasso di tempo enorme per chiunque, figuriamoci per chi, come la band inglese, ha di fatto chiuso la propria storia il 24 novembre del 1991, con la morte dell’insostituibile leader Freddie Mercury.

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Non vogliamo essere cassazionisti, cinici, freddi o distaccati, ma tutto ciò andato in scena dopo quella data è da ascriversi a una seconda versione dei Queen, quella più autocelebrativa e maggiormente impegnata a omaggiare il proprio nome con iniziative autoreferenziali piuttosto che a guardare avanti con nuovi presupposti. Anche perché privi di John Deacon ritiratosi dalle scene dopo il celebre concerto tributo a Mercury datato 20 aprile 1992. Due le performance successive con i compagni di sempre, ma lo show di Wembley resta il canto del cigno del bassista, l’epitaffio circa la sua carriera all’interno della band.

L’omonimo “Queen” venne registrato ai Trident Studios e ai De Lane Lea Studios di Londra tra il 1971 e il 1972. La sua produzione fu affidata a Roy Thomas Baker, John Anthony e al gruppo stesso. Il disco, contenente dieci tracce e dalla durata di quasi trentanove minuti, fu pubblicato in Gran Bretagna il 13 luglio del 1973 mentre negli Stati Uniti quasi tre mesi dopo, precisamente il 4 settembre. In Europa uscì per la Emi e negli States per la Elektra Records.

Giovani e intraprendenti, paradossalmente inesperti, ma ben ambiziosi a ritagliarsi il proprio ruolo all’interno della scena musicale anglosassone i Queen approcciarono alla registrazione del disco con un entusiasmo fuori dal comune. L’esordio discografico avvenne dopo un triennio speso a suonare tra i club e i pub di Londra e dell’Inghilterra più in generale. May e Mercury furono i principali compositori dei brani presenti nella tracklist (ben nove su dieci), ma Taylor e Deacon non fecero di certo mancare il proprio contributo in termini di songwriting e idee. Non altrettanto impattante ma pur sempre efficace e prezioso all’interno dell’alchimia del gruppo. La prima incarnazione di quella che sarebbe diventata una miscela esplosiva e ineguagliabile per i più.

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All’interno del disco sono ben evidenti le molteplici influenze dei quattro; dal pop-rock, al progressive rock, fino all’hard rock e all’heavy metal, anche se, seppure in fase embrionale, si intravedono quelli che sarebbero stati i tratti distintivi del sound successivamente sviluppato. Su tutti la presenza di una certa coralità, vero marchio di fabbrica della band. E pensare che faticarono nel trovare un’etichetta che producesse il full-lenght e che il titolo dello stesso avrebbe potuto essere Top, Fax, Pix and Info“, come proposto da Roger Taylor.

Un esordio che consentì ai Queen di avere un discreto impatto nei circuiti musicali inglesi, consentendo loro di catalizzare attenzioni da parte di discografici, manager e promoter. Le recensioni furono tutto sommato positive, anche se prive di toni realmente entusiastici. Un buon debutto, ma certamente non al livello dei lavori successivi. Nel Regno Unito il disco non andò oltre la ventitreesima posizione della classifica degli album più venduti, nonostante il primo singolo estratto fu “Keep Yourself Alive”, brano che ancora oggi suona fresco e personale.

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Da quel giorno i Queen non si sono più fermati. Hanno attraversato stili e mode, sono sopravvissuti alle stesse e, cosa ancora più importante, sono stati loro a dettarle. Lontano da schemi predefiniti, mai ingabbiati all’interno di generi musicali ben precisi e sempre desiderosi di spaziare attraverso gli stessi, hanno attraversato quasi cinque decadi senza sentire sulle spalle il peso dell’età e del “rinnovamento” musicale. E ora, anche grazie alla pubblicazione del biopic “Bohemian Rhapsody” e all’intensa attività su Instagram di Brian May, stanno vivendo una seconda giovinezza. Long live the Queen.

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