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Le donne della galleria Patty’s Art Gallery: intervista a Patrizia Stefani

Dietro le opere delle artiste della Patty’s Art Gallery, prestigiosa galleria online d’Arte Contemporanea

Redazione

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Nell’ambito della Giornata internazionale per l’eliminazione della violenza contro le donne, istituita dall’Assemblea generale delle Nazioni Unite nel 1999, abbiamo deciso di sviluppare una maggiore sensibilizzazione sul tema attraverso le parole della gallerista Patrizia Stefani in un’intervista dedicata alle opere delle artiste della Patty’s Art Gallery, prestigiosa galleria online d’Arte Contemporanea.

La Patty’s Art Gallery dà spazio ad undici artiste (e a diciotto artisti). Qual è la più diffusa peculiarità della creatività delle appartenenti al sesso femminile?

La peculiarità della creatività femminile è senza dubbio la ricerca interiore e di amore, la forte passione e spesso pure il desiderio di protezione che quindi le donne trasmettono nell’elaborato. In ogni caso, attraverso l’immagine, il fulcro di ogni loro rappresentazione è sempre il sentimento. Le opere per lo più nascono da un impulso profondo, liberatorio; sono gesti, emozioni cromatiche in tutte le tonalità del rosso acceso, nei vari toni del colore del giallo e del nero soprattutto.

Ognuna delle pittrici, fotografe, scultrici esposte nella galleria si caratterizza per accenti ben marcati e specifici. Un focus su ognuna di loro?

Questa domanda la trovo perfino molto divertente e la risposta è dunque immediata! Manuela Andreoli  è l’emblema della consapevolezza interiore. Anna Actis Caporale è descrittiva, una vera reporter. Silvia Castelli viene mossa e muove dalla ricerca di sé, in contrapposizione al mondo esterno, è introspettiva. Maria Beatrice Coppi esprime femminilità, eleganza e grazia sebbene forgi il marmo e ogni tipo di materiale – anche il più avverso. Gioia Lolli rappresenta la passione e la libertà. Giulia Quaranta Provenzano rispecchia l’analisi, va dritta al significato intrinseco e punta al dunque d’ogni situazione. Laura Ruggero lavora sulla spiritualità, e non è mai banale bensì vuole davvero trovare l’anima del soggetto.

Claudia Salvadori si connota per l’espressività resa attraverso la materia per una donna colta in tutte le sue molteplici sfaccettature, dalla bellezza eterea alla sensualità, dalla debolezza alla forza. Caterina Spatafora mi ricorda un autentico pentagramma musicale, ricca di buoni sentimenti.  Carla Tomatis è una ricercatrice instancabile e lo fa per mezzo della tecnica, è senza sosta in continua sperimentazione con colori e materiali. Simona Zecca è pittrice dello sguardo, del particolare che non si può facilmente interpretare perché è unico, personale e profondo in ogni individuo ed estremamente realistico.

Amy Winehouse, Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Mina Anna Maria Mazzini, Sharbat Gula, Sophia Loren dipinte da Simona Zecca sono tutte donne che si sono distinte a dispetto di tutto e di tutti. Com’è – ed è possibile – essere oggi figlie, mogli, compagne, madri, lavoratrici ed artiste che non rinunciano a sé per la cura e l’attenzione all’altro a cui specie secoli fa ed in alcune realtà geografiche specialmente sono state votate?

Le donne rappresentate da Simona Zecca hanno tutte una forte identità, sono donne che hanno dimostrato con determinazione di avere carattere e di sapersi destreggiare anche in situazioni difficili e controverse, emergendo per quelle doti e caratteristiche che la natura ha loro donato. Non è facile essere figlia, mamma, moglie, compagna, professionista allo stesso tempo. Tutte noi, però, diamo il meglio di noi stesse. Ne sono un esempio proprio le donne di Simona, diventate icone, a dimostrazione della caparbietà ed intelligenza che permette perfino di riscattarsi e conquistare una rilevante propria posizione sociale. Penso che per alcuni aspetti (come intuito e praticità) la donna abbia superato il mondo maschile, ma sono altrettanto consapevole che la strada per la parità di diritti sia ancora lunga da percorrere.

Silvia Castelli pare dipingere donne attraenti quanto, secondo alcuni luoghi comuni che vogliono la donna guardiana del focolare domestico, sfrontate,  che non hanno timore di fare ed essere ciò che sentono, senza nascondersi per paura di giudizio alcuno. Spesso alle appartenenti al sesso femminile viene quasi rimproverata la loro avvenenza, come se l’essere belle e mettere in risalto la propria beltà fosse una colpa, fosse la causa scatenante della violenza. Tu cosa ne pensi?

Partendo dal presupposto che un uomo violento, per come la penso io, è un malato come tale va curato o rinchiuso… Ciò detto, la donna deve essere libera di essere sempre se stessa.

Sei dell’idea che siano valevoli le categorizzazioni aprioristiche legate al sesso e al genere per cui, ad esempio, le donne in quanto tali dovrebbero essere amorevoli come se la dolcezza fosse un connotato di genere ad identificare il sesso (vale a dire, per banalizzare, se sei forte sei lesbica, se sei sensibile sei gay)?

Che la femmina per essere donna debba essere tenera e remissiva, il maschio per essere uomo debba dimostrarsi gagliardo e vigoroso sono affermazioni che capita di sentire in quanto pensieri di tal genere sono ancora comuni. La donna tuttavia oggi si è evoluta e sa essere dolce e accondiscendente e non di meno, quando serve, apertamente  decisa e determinata. Non credo cioè nelle generalizzazioni, a priori.

In che modo si può conciliare, senza che vi sia una tensione distruttiva e logorante, un’anima più marcatamente economica e commerciale con quella artistica e fantasiosa, come è accaduto per Anna Actis Caporale?

Anna Actis Caporale da sempre è votata alla curiosità, alla ricerca del sapere e proprio attraverso i suoi viaggi ha affinato altresì la propria sensibilità. Nei suoi dipinti emerge il giusto compromesso ed un rapporto molto stretto fra la sua quotidianità, fra la vita reale rappresentata con una qual certa struttura ed equilibrio e il suo interiore mondo poetico. In essi vive Anna in tutta la sua completezza di e quale donna.

Vi è una donna alla quale ti sei ispirata nella tua vita quotidiana e lavorativa, e perchè?

Il mio carattere sicuramente è stato forgiato dall’educazione impartita da mia mamma, una donna molto forte e determinata.             

Quale artista donna della storia ammiri in particolare?

Numerose sono le donne che posso citare come esempi di vita, e forza di volontà e carattere …Coco Chanel, Margherita Hack e poi senza ombra di dubbio Frida Kahlo. Ognuna di loro ha saputo sfruttare, con astuta capacità e caparbietà, le proprie doti e predisposizioni nonostante le più dure avversità in cui sono incorse – lasciando un segno indelebile nella storia.

Un augurio per le donne di oggi?

L’augurio che faccio alle donne di oggi è di tentare di dare sempre voce alla propria interiorità, di essere sempre se stesse. Auguro loro di saper e riuscire ad abbandonare le paure, cercando e trovando la propria individualità libere nel pensiero e nell’espressione.

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Ricciardi non è Montalbano: la nuova stagione Rai del romanzo poliziesco

Redazione

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Del resto neanche Maurizio de Giovanni – autore del libro da cui nasce il commissario Ricciardi – è Camilleri e non solo per una manciata di mezzo secolo di differenza, piuttosto per quello straordinario intrigo di passione, misto a calura e mafia, della Sicilia pennellata di fascino e mistero nel giallo che il compianto Andrea Camilleri riuscirà a fondere nel commissario Montalbano; con quel Luca Zingaretti che fu pure suo allievo nell’Accademia Nazionale di Arte Drammatica.

Facciamo il raffronto, non per rendere più basso il profilo dell’autore napoletano Maurizio de Giovanni, peraltro già presente da tempo in Rai con il suo “I bastardi di Pizzofalcone” giunto alla 3 edizione, ma anche con “Mina Settembre”, il nuovo sceneggiato domenicale con Serena Rossi, piuttosto per rimarcare, nello sceneggiato del commissario Ricciardi, alcune assonanze di ruolo con i vari personaggi di Camilleri.

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Intanto i colloqui presso l’ufficio del commissario, che appaiono come confessioni a tutto video, col solerte attendente, più impacciato e anziano di Giuseppe Fazio, che verbalizza, c’è anche il collaboratore sui generis, meno vistoso di Agatino Catarella; il dottore addetto alle autopsie più giovane del Dottor Pasquano, ma ugualmente goloso, e stavolta di sfogliatelle e non di cannoli siciliani come il suo collega siciliano. C’è anche il superiore piantagrane che nel romanzo di Camilleri è il questore Bonetti sempre attento a non finire in pasto ai media, mentre nel romanzo di de Giovanni è un vice questore tutto solerte verso il regime fascista (il Ricciardi si muove negli anni ’30).

Un’annotazione sulla location, stavolta è Napoli, ma molte scene di vita popolare si svolgono nei vicoli della città vecchia di Taranto, ma non si nomina, come nelle storie di Camilleri dove Vigata non esiste e nella realtà è Porto Empedocle.

Mutatis mutandis siamo nell’alveo di una narrazione che tende a somigliarsi. Il tentativo è quello di superare Montalbano nel terzo millennio? Forse, anche perché se andiamo a cercare in rete, troviamo vari titoli dello scrittore napoletano che riguardano il commissario Ricciardi: Il senso del dolore (andato in scena ieri), Per mano mia, La condanna del sangue, Serenata senza nome, Il posto di ognuno, In fondo al tuo cuore, Il giorno dei morti, Il purgatorio dell’angelo, ecc.

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Diverso è il contesto narrativo e anche il carattere del personaggio, Ricciardi è più compassato di Montalbano, siamo in una rappresentazione filmica che tende al grigio azzurrognolo, capelli lisciati con la brillantina, donne velate di tristezza, rapporti tra i due sessi gelati dalla tutela delle apparenze. Poi c’è un intuito più esaltato in Ricciardi piuttosto che nel Montalbano di Camilleri, che però fatica di più per arrivare alla conclusione e questo forse è davvero l’elemento narrativo che fa vincere il commissario di Vigata.

Ma cosa vogliamo farci, il mondo va così…però una chicca scopriamo in casa Zingaretti: la moglie, l’attrice Luisa Ranieri sarà “Il Commissario Lolita” che vedremo prossimamente, ed è già detta il Montalbano in gonnella. E allora se di eredità dobbiamo parlare, la Ranieri è il ramo principale della dinastia, c’è l’ha proprio nell’alcova.

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di Goffredo Palmerini

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Parte il processo per i falsi di Modigliani: nuovi testimoni e danni per mezzo miliardo di euro

Federico Falcone

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E’ tra le truffe più note della storia dell’arte, di cui ancora oggi si parla. Era il 1984 e tre ragazzi livornesi sbuggiardarono – perché, siamo sinceri, di questo si trattò – l’autoreferenzialità del sistema artistico e museale italiano, mettendo in atto un raggiro talmente ben confezionato che neanche i più illustri critici riuscirono a riconoscere. Non sul momento, per lo meno. Il 24 luglio del 1894 passerà alla storia come il giorno della “beffa di Livorno” che riguardava il grande Amedeo Modigliani.

Nel fosso reale di Livorno tre studenti ritrovarono, “casualmente uscite fuori dal niente”, tre teste. Non umane, ovviamente. O meglio, non umane in senso biologico ma umane in senso artistico-figurativo. Le opere vennero, con troppa fretta e superficialità, attribuite ad Amedeo Modigliani, pittore e scultore nato a Livorno il 12 luglio del 1884 e morto a Parigi il 24 gennaio del 1920. Celebre per i suoi sensuali nudi femminili e per i ritratti caratterizzati da volti stilizzati, colli affusolati e sguardo spesso assente, l’opera di Modigliani ha caratterizzato il periodo a cavallo tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento.

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Quell’anno ricorreva il centenario dalla sua nascita e il ritrovamento di tre opere fino a quel momento non censite venne considerato come un evento nell’evento. Ed effettivamente fu una grande scoperta. Peccato che la storia andò diversamente e che in omaggio al principio del “non è tutto oro ciò che luccica”, l’entusiasmo per la straordinaria scoperta lasciò ben presto il posto a qualcos’altro.

Per circa due mesi si dibatté sulle opere, sulla loro paternità, sulla loro provenienza sulla loro autenticità. Furono scomodati praticamente tutti i più grandi esperti e critici dell’arte, da Argan a Brandi, da Ragghianti a Carli, tutti convinti della originalità delle opere. Anche l’allora restauratore capo della Galleria Nazionale d’arte moderna firmò sull’autenticità. Fino alla scoperta che gettò imbarazzo su quel mondo artistico così autoreferenziale e pieno di sé. I tre ragazzi, in televisione, furono perfettamente in grado di replicare una delle tre teste. Capitolo chiuso.

E’ notizia di questi giorni che si sono costituiti parte civile il Palazzo Ducale di Genova e tre associazioni di consumatori nel processo per i falsi Modigliani, i venti dipinti attribuiti al maestro di Livorno sequestrati nel 2017 mentre erano esposti in una mostra in corso a Genova.

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Come riporta il sito Genova24.it “a processo, per truffa, falso e contraffazione di opere, ci sono sei persone: Massimo Zelman, presidente di Mondo Mostre Skira, che organizzò la mostra, Joseph Guttman, mediatore originario dell’Ungheria con base a New York e proprietario di molte delle opere sequestrate, il curatore della mostra Rudy Chiappini, italiano trapiantato in Svizzera, Nicolò Sponzilli, direttore mostre Skira; Rosa Fasan, dipendente Skira, Pietro Pedrazzini, scultore svizzero, proprietario di un “Ritratto di Chaim Soutine” che secondo gli investigatori piazzò come autentico pur sapendolo falso”.

“Secondo gli investigatori, coordinati dal procuratore aggiunto Paolo D’Ovidio, attraverso l’esposizione alla mostra si voleva rendere autentiche delle opere false per acquisire una maggiore quotazione e rivenderle a prezzi stellari nel centenario (caduto lo scorso anno) della morte di Modì. Per i legali degli imputati, invece, le opere sono autentiche. Il processo proseguirà il prossimo cinque marzo”.

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Alda Merini, il “silenzio rumoroso” della poetessa dei Navigli

Redazione

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Donna fra le donne, personaggio controverso e a volte difficile da comprendere fino in fondo. Il mondo di Alda Merini (1931- 2009) è quello della fantasia, della sensibilità e dei sogni, in cui si colgono cose che chi vive il frenetico quotidiano non riesce a intuire.

Per questo oggi leggiamo “I poeti lavorano di notte”. È tratta da Testamento, raccolta edita da Crocetti nel 1988, nella cui prefazione Giovanni Raboni parlò dei versi della Merini come di “crepe istantanee e terrificanti, bagliori di un altro mondo”. Rappresenta quasi un manifesto poetico.

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Alda Merini racconta come il ruolo del poeta, durante la notte, diventi un vero e proprio lavoro da portare a termine, reso ancora più dolce e proficuo dall’affascinante e quieta atmosfera notturna. In un tempo senza tempo, in cui tutto tace, in cui la cognizione cessa di esistere e la ragione si china davanti al grido interiore.

In quel tempo senza luci e rumore assordante, lì, l’uomo si fa poeta, prende le vesti di cantore dell’anima, e incomincia a scrivere. La poesia del resto è una forma espressiva che presuppone una condizione di silenzio, per sua natura infatti è in antitesi rispetto allo stress e al caos. Questo quindi ci riporta al ruolo che la poesia dovrebbe avere: fare rumore, esplodere in un “silenzio rumoroso” capace di scuotere gli animi e incantare chi legge.

Ogni poeta può rivedersi in questo componimento della “poetessa dei Navigli”. 

I poeti parlano di notte

I poeti lavorano di notte
quando il tempo non urge su di loro,
quando tace il rumore della folla
e termina il linciaggio delle ore.

I poeti lavorano nel buio
come falchi notturni od usignoli
dal dolcissimo canto
e temono di offendere Iddio.

Ma i poeti, nel loro silenzio
fanno ben più rumore
di una dorata cupola di stelle.

Di Erica Ciaccia

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